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A propos de J.S.B.

EXPOSITIONS 2017

Isao UTSUMIYA

Les Hommes Rassemblés

会期:2017年4月13日~5月13日
Exposition du 13 avril au 13 mai 2017
ヴェルニサージュ:2017年4月14日18時30分~21時
Vernissage vendredi 14 avril de 18h30 à 21h

Isao UTSUMIYA
Arnaud SCHMELTZ
Julia DASIC

R2JE Dominique Chazy

会期:2017年3月9日~4月8日
Exposition du 9 mars au 8 avril 2017
ヴェルニサージュ:2017年3月10日18時30分~21時
Vernissage vendredi 10 mars de 18h30 à 21h

La pratique artistique de Dominique Chazy se situe à la lisière du dessin et de la peinture. Diplômée de l’école supérieure des Arts Modernes de Paris, elle passede l’architecture intérieure au cinéma d’animation et participe à la réalisation de nombreuses séries et films, séjournant au Japon, en Corée, au Vietnam, aux USA . Son travail se déploie désormais autour de la fiction et du lien particulier qu’elle entretient avec la littérature, le cinéma et la musique. Tel un buvard, son univers s’articule autour d’histoires collectives, autobiographiques ou rêvées, de choses imperceptibles, de l’ idée de passage d’un état à un autre, de ce qui persiste ou non.Collage, dessin automatique, la feuille blanche devient alors un champ d’exploration où sous la forme d’un récit fragmenté, espaces réels et virtuels s’enchevêtrent. Cette matière dessinée s’offre alors au regard comme un écran sujet à de nouvelles projections.

....De larges taches de couleurs jouent avec ces accumulations, ou agglomérations graphiques, dans une palette essentiellement rose, gris, jaune, vert en tons parfois rompus (olive, ocre, lie de vin). Elles semblent parfois souligner et animer une ligne, une forme, un mouvement, un membre. Non sans une certaine intensité, parfois, faisant penser à la façon dont le corps lui-même se colore sous l'action d'une émotion, d'une commotion ou d'une brûlure. On peut ainsi penser à la façon dont Pierre Klossowski « modèle » ses dessins à l'écoute de la résonance émotionnelle de telle partie du corps représenté. Mais la tache de couleur peut aussi souvent se glisser en dessous pour faire flotter ou émerger la figure en tout ou partie. L'incertitude métamorphique du champ pictural en est encore augmentée. La couleur fait ainsi apparaître et disparaître la figure guidant le regard du spectateur dans un parcours émotionnel, l'invitant à se perdre ou à s'arrêter devant une cuisse, une épaule, une tête. Ou encore à suivre la pulsation d'un écho figural. Tout cela se complique encore de variations de matière, de transparence, d'opacité, de lourdeur ou de légèreté : la couleur se contente d'effleurer le papier blanc, teignant la lumière du fond ou se charge, s'accumule par couches ou frottements là où l'affect insiste, sans doute. Il s'agirait donc de passer de l'enveloppe du corps à l'ouverture de la chair.

Pascal Rousse, mai 2010.

"Between Black and White is Color" selon Asamï NISHIMURA

会期:2017年2月2日~3月4日
Exposition du 2 février au 4 mars 2017
ヴェルニサージュ:2017年2月2日18時30分~21時
Vernissage jeudi 2 février de 18h30 à 21h

Depuis plusieurs années on remarque que le gris est devenu de plus en plus foncé. Il n'y a plus de memoire du blanc ni du noir. Enfant on se demandait pourquoi le ciel est bleu?

数年前から灰色が少し濃くなったような気がしていた。 白の記憶も黒の記憶もなく、小さい頃は空はなぜ青いのかと考えていた。

avec
Antoine Carbonne
Antoine Desailly
Nicolas Descottes
Daniel Flammer
Etienne Fouchet
Suzanne Jalenques
Marie-Fleur Lefebvre
Charles-Henry de Pimodan
Guillaume Talbi
Christelle Téa

Asamï Nishimura, Curatorice

http://betweenblackandwhiteiscolor.blogspot.fr/

EXPOSITIONS 2016

Hiroshi HARADA

Entre l’abstraction et la figuration / 抽象と具象の間

会期:2016年12月16日~2017年1月28日
Exposition du 16 décembre 2016 au 28 janvier 2017
ヴェルニサージュ:2016年12月16日18時30分~21時
Vernissage jeudi 16 décembre de 18h30 à 21h

Olivier de Coux
Isabelle de Gouyon Matignon
Masao Haijima
Hiroshi Harada
Kanaria
Ko Song Hwa
Takesada Matsutani
Takaaki Nagashima
Yurina Niihara
Roland Orépük
Alexis Poliakoff
Léo Scalpel
Bogumila Strojna
Muneki Suzuki
Catherine Ursin
Richard van der Aa

SIGNES ET TRACES par Jean-Jacques Lapoirie

会期:2016年11月10日~12月10日
Exposition du 10 novembre au 10 décembre 2016
ヴェルニサージュ:2016年11月10日18時30分~21時
Vernissage jeudi 10 novembre de 18h30 à 21h

Vers une nouvelle « Poétique de la pierre»
De la pierre est passée dans le bois, du bois est passé dans la pierre. De la pierre ou
du bois, quelque chose s’insinue, s’infiltre et se confond. Dans les veines de la pierre
et du bois des signes « hors-langue » précisent leurs formes. Jean-Jacques
Lapoirie est passé maître en phrasé des veinules, il en dresse un catalogue toujours
renouvelé.

Une couleur se pétrifie, se fixe : celle à laquelle l’intelligence des tâtonnements
donne la préférence. Ce qui est rongé de l’intérieur remonte à la surface.
Sculpteur, Jean-Jacques Lapoirie la révèle et y grave les signes qui comptent. Il a su
éviter deux écueils : celui des concepts à la mode et celui d’une décoration
qui traduirait la nostalgie d'un passé révolu.
D’où proviennent ses propositions ? D’une pratique artisanale de la sculpture, de la
fabrication du papier et d’objets divers. Leur exposition déplace les lignes, elle
transforme les représentations en des motifs dont les références s’éloignent, rompant
leurs amarres.
On peut suivre le parcours du graveur sur la matière de sa plaque. Il creuse — au
sens propre et au sens figuré — un sillon qui est le sien dans le lacis des sentiers
possibles. Jean-Jacques Lapoirie construit des espaces hybrides, par un dispositif de
productions foisonnantes, afin de perdre ses repères - tout en préservant la surprise.
Sortie du bois, sortie de la pierre, on peut évoquer ici la déterritorialisation et les
mouvements propres au règne naturel : aux saumons, aux sauterelles, aux tempêtes
solaires ou magnétiques... D’une matière organisée dans ses frictions, ses
modifications infiniment variées, Jean-Jacques Lapoirie donne à voir les
« résultantes » : un moment donné de la pointe acérée qui ouvre l’impatience d’un
tourbillon, de flux, de courants. Il déplace les modes d’emboîtement en instaurant les

combinatoires d’univers possibles.

Jean-Louis Vincendeau

OCCIDENT EST ACCIDENT par Jean-Claude PARDOU

会期:2016年10月14日~11月5日
Exposition du 14 octobre au 5 novembre 2016
ヴェルニサージュ:2016年10月14日18時~21時
Vernissage vendredi 14 octobre de 18h à 21h

Gallery TAGA
Painting and Paper Works
Toshiya MOTAI 母袋俊也

会期:2016年9月5日~10月2日
Exposition du 5 septembre au 2 octobre 2016
ヴェルニサージュ:2016年9月8日18時~21時
Vernissage Jeudi 8 septembre de 18h à 21h

Nous essayions d’exprimer la notion de temps depuis que ce concept existe.

Visualiser le temps, c’est une chose très difficile même si on peut l’imaginer de manière abstraite.
Le dispositif visuel de Toshiya MOTAI « le chalet de vue pour la peinture » possédant plusieurs fenêtres, permet d’observer le temps et les modifications de la nature en regardant continuellement à travers différentes vues « encadrées » comme lorsque l’on regarde le ciel ou les étoiles se mouvoir à partir d’un point fixe.
De plus, l’instant représenté dans l’encadré n’est pas que la représentation du moment actuel, mais également la mémoire du passé. Ainsi, il s’exprime par l’intermédiaire de cette représentation du temps.
Il s’est inspiré du BYOBU, paravent japonais et a fait des peintures liées qu’il a nommées « TA », correspondant aux vues de ce dispositif ou au format oblong de ses fenêtres.
En ajoutant l’expression de la nature au BYOBU qui était, à l’origine, un simple paravent (d’où le sens du mot Kanji « BYOBU » composé des Kanji « vent » et « gêner »), cela permet de sentir le vent et de se relier au Monde.
Mais ce n’est pas la reproduction exacte qui en est faite. Il le peint comme il le ressent et non comme il le voit.
En règle générale, le concret se mêle à l’abstrait. Les œuvres s’expriment par l’apparence ou par ce qui vient de l’intérieur ou de l’esprit.
Chaque élément de la nature représente une variété d’évènements invisibles que représente Toshiya MOTAI.
Il explique que c’est sûrement par l’inspiration des « Correspondances » de Baudelaire que ses œuvres sont calmes et imposantes.

Critique d'art : Takao OKAMURA

時間という概念が生まれた時から、それを表現しようと様々な試みがなされてきた。
時間は、抽象的なる時間は知ることはできるかもしれないが、それを視覚化する困難さは大きい。
母袋俊也による様々な大きさの窓がつけられた、視覚体験装置「絵画のための見晴らし小屋」は、定点観測として持続的に眼前の世界を見ていくことにより時間を知ること、自然の移り変わりを知ることができると共に、切り取られた瞬間の彼方は現在ではあるが、切れ切れの過去の、記憶の総体でもある。このようにして彼方と此方のやり取りが始められ、表現へと移し替えられる。
彼はそのような装置を使って見える風景、とりわけ横長の窓から見える風景を、屏風から着想した複数のパネルが連携する絵画へと仕立て、TA系と名付けた。
本来、風を屛(しリぞ)ける機能を持って考え出された屏風は、そこに自然を表現することによって、風をも感じさせ、外の世界と共有される。
しかしそこでは単なる再現が行われるわけではない。見たとおりに描いているのではなく、言わば表現者が思った通りに描いているのだ。
抽象的であると同時に具象は保たれる。しかし、そこには外観から受ける思念は、内奥に生まれるものは、精神は表現されない。
母袋俊也はそれを表現する。森羅万象の奥に潜む、見えざるさまざまな事象を表す。 おそらく、彼の作品が静かに圧倒的なのは、ボードレールの言う「コレスポンダンス」を体現しているからなのだろう。

美術評論家 岡村多佳夫

Vanessa Fanuele

VESTIGES SANS PASSÉ 過去のない痕跡

会期:2016年6月25日~8月31日
Exposition du 25 juin au 31 août 2016
ヴェルニサージュ:2016年6月25日18時~
Vernissage le samedi 25 juin à partir de 18h

"Le temps fait son œuvre. Et toi, être humain?" écrit Stanislaw Jerzy Lec, dans ses Nouvelles pensées échevelées.
La poétique du fragment dont les œuvres présentées semblent se revendiquer,

porte en elle une ambiguïté qu'il s'agit ici de dégager :si chacune d'elles fait montre d'une intimité avec le temps dont elles portent la marque, ni érosion progressive ni brusque anéantissement ne les ont façonnées.
Ainsi, elles ne témoignent plus tout à fait du passage du temps ou des fureurs de l'histoire.
Ruines de l'ici et du maintenant, elles semblent dès lors jouer de ce paradoxe pour signifier depuis leur fragilité. En un sens, elles manquent de temps, traduisant par là l'urgence que nous impose la condition de mortel.
Elles sont radicalement de main humaine, mais dès lors que cette main est consciente de sa disparition, qu'elle appose la marque de son propre effacement.
Ces fragments ne sont jamais fragments que d'eux-mêmes: allant jusqu'à renoncer à leur statut de symbole ou d'énigme, ils tendent à désigner la perspective inquiète du "sans-nous".
A l'absence de l'histoire, répond l'absence de témoin survivant.
Condition végétale, animale et divine apparaissent alors comme autant de dimensions anhistoriques, arrachées à la temporalité que les hommes prétendent posséder en propre.
Entre inhumain et surhumain, voilà que les artistes nous rappellent, à la façon des fossiles, la contingence du règne humain, aussi miraculeux que miraculé.

SJ

Anne PAULUS – Parole du pot vide(écho I)

Akané KIRILMURA –bios-g-Ⅶ-

ESTAMPES+
Estampes contemporaines selon Akané KIRIMURA

会期:2016年5月12日~6月18日
Exposition du 12 mai au 18 juin 2016
ヴェルニサージュ:2016年5月12日18時~
Vernissage le jeudi 12 mai à partir de 18h

Sophie DUTERTRE, lithographie, France
Sabine FINKENAUER,lithographie,Allemagne
Akané KIRIMURA,gravure,France
Muriel MOREAU,gravure,France
Mitsuko MORI,sérigraphie,France
Anne PAULUS,gravure,France
Go SEGAWA,impression pigmentée,France
Katsutoshi YUASA,gravure sur bois,Japon

MOSQUITO CASTAWAY

Exposition du 9 avril au 7 mai 2016
(会期:2016年4月9日~5月7日)
Vernissage le samedi 9 avril à partir de 18h
(ヴェルニサージュ:2016年4月9日(土)18時~)

Mosquito ne fait pas référence à un moustique mais à un indigène ayant vraiment existé et qui aurait vécu dans les mêmes conditions qu’Alexander Selkirk, cet Écossais qui a inspiré Daniel Defoe pour L’écriture de Robinson Crusoé. (À mon avis, étant indigène, il semblerait qu’on n’ait pas trouvé important de raconter son histoire). Robinson et de Vendredi, tels qu’ils sont vus par Michel Tournier, forment à mes yeux l’archétype de l’artiste à cause de la rigueur et la volonté de maîtrise qu’a Robinson, alliées à la spontanéité de Vendredi (qui me semble né de l’esprit de Robinson dû à l’isolement de celui-

ci). L’idée de cette exposition est de constituer comme un mini musée anthropologique offrant à la vue du public des objets nés durant le séjour d’un Robinson (ou comment un artiste naufragé réagirait sur une île déserte). Si selon Duchamp, c’est le spectateur qui fait oeuvre, que devient l’objet s’il y a absence de regardeur ? Pour qui crée un artiste naufragé.

Si je suis seul sur une île déserte, comment être artiste aux yeux d’un Autre absent ? Une pensée animiste peut naître de la solitude et ainsi conférer aux objets une pensée magique. Suis-je un être parmi des objets? ou un objet parmi des objets ? Un créateur parmi des créatures ? (de là un lien avec les oiseaux jardiniers qui me paraît évident)

Dans ce musée, on pourrait trouver, si tout va bien :
1) Une série des poupées fétiches qui fait référence aux enfants de Robinson (dans Vendredi ou les limbes du Pacifique, ce sont des petites mandragores nées de son union avec un arbre). C’est aussi la première fois que je fabrique des formes anthropomorphiques. 2) Deux bandes de terre avec du blé en train de germer (clin d’oeil à la tentative d’agriculture de Robinson, et au nom de l’argent en argot, bien sûr).
3) Un ensemble de 4 enceintes en noix de coco avec mini - ampli diffusant un extrait de chant de l’oiseau-lyre. Je le vois comme une alarme pour se défendre d’éventuels prédateurs.
4) Une partie de mon abécédaire exotique.
5) Un ou deux dessins palimpsestes, dessins sur papier fabriqué par mes soins. Est-ce qu’on peut dire que nous vivons tous sur une île déserte mentale ?

Samuel Trenquier
Février 2016

Mosquitoは蚊を意味するのではなく実在したとある原住民(ホンジュラス・ニカラグアに住む民族)のことである。
ロビンソン・クルーソーを執筆したイギリスの小説家ダニエル・デフォーがモデルとしているとされる実在の人物アレクサンダー・セルカークと同じような状況で生きた人物である。彼は原住民であったためか歴史上で注目される事はなかったのであろう。
この展覧会ではロビンソン・クルーソーが漂流した滞在中に生まれた数々のオブジェを人類学的なミニ美術館として公共の場に提示する試みである。
(または無人島に漂流した作家がそこでどのような反応を起こすかという試み)
美術家マルセル・デュシャンによると美術作品とは鑑賞者が作り上げるものである。
もし自分(アーティスト)が無人島にひとりぼっちでいるとして、他者(鑑賞者)の視線なくしてどのようにアーティストになれるのだろうか?
もしかすると孤独による寂しさからアニミズム信仰が生まれるか、もしくはオブジェに呪術的な意味を与えるのかもしれない。アーティストはオブジェの中に 自己を見いだすのか?自己をオブジェの中の一部と見いだすのだろうか?創造物の中の創造者になるのか?この展覧会では以下の展示を行う予定である。

1つ目は現代フランス作家でありロビンソン・クルーソーについて書かれたミシェル・トゥルニエの著書である『フライデーあるいは太平洋の冥界』(1967 年)のなかにでてくる、ロビンソンが木と結合して生まれたといわれる小さな木に着想を得たフェティッシュな人形である。
擬人化された作品を作るのは今回初めての試みである。
2つ目はロビンソン・クルーソーに着想を得た土と発芽のインスタレーション。
3つ目はメヌラ鳥の鳴き声が流れ出す4つのココナッツからなる音響装置。
捕食者から身を守る為の警報機のようなものである。
4つ目はエキゾチックで風変わりなアルファベットの一部。
5つ目は私自身が細心の注意を払って作った紙の上に仕上げたデッサン。
はたして私たちは頭の中で無人島で生きていると想像できるだろうか?

サムエル トランケ2016年2月

Exposition Philippe Croq Galerie Grand E'terna 3 au 31 mars 2016
フィリップ・クロック展「不確かな領分」2016年3月3日~3月31日

<< Territoires incertains >>

Ici, quelque figure, et là, quelque territoire, incertains…

Depuis 1991 et toutes ces années passées à peindre, ne subsiste aujourd’hui qu’une certitude :celle d’être incertain du sens produit dans chacun de ces petits territoires picturaux que j’ai pu réaliser…

et peut-être y a t’il eu un jour la perception, ne serait-ce que fugace, de la direction à suivre en peinture ?Mais ce temps n’est plus et surtout, ce n’est pas ce qui me préoccupe à l’atelier…

En effet, seul compte l’équilibre final de chaque toile réalisée…équilibre qu’une sommation irréductible en moi - que je ne saurais vraiment définir - m’impose de respecter et de ne plus modifier.

Ainsi, ces peintures se feraient donc par ma main, mais dictées par une «inconscience« qui agirait comme bon lui semble, ne me secouant qu’à un moment final où je dirais «oui, c’est fini, n’y touchons plus« ?

«Mais c’est tragique !« me direz-vous…Pas tant que ça…

A l’atelier, l’aveuglement est de mise et s’il n’était que mauvais conseiller, je ne peindrais plus depuis longtemps…et il me semble déceler dans cet abandon actif un cercle vertueux oeuvrant à la réalisation de travaux que mon énergie seule ne permettrait pas.

Ici, quelque figure, et là, quelque territoire, incertains…et quoi d’autre ? Et bien, je ne sais pas…ou je ne veux pas savoir…

Mais il reste aujourd’hui cette furieuse envie de peindre au sein de ce malentendu fragile et permanent qu’est ma vie, malgré le fait, qu’hélas, la peinture ne rend pas meilleur, ni heureux, elle rend juste un peu plus seul.

Ici, quelque figure, et là, quelque territoire, incertains…

Philippe Croq janvier 2016

≪不確かな領分≫

ここにはいくつかの形が、あそこには、いくつかの領分が、それは不確かである。
1991年以来、絵画に費やした長い時間は、確かなこととして残っている。
自分が実現した小さな絵の領域のそれぞれの中にある不確かな意味合いのある産物、もしかするとある日の知覚か、はかなさであったり、絵画の方向性についていくこと?
しかし時は過ぎ去ってしまうし、そのことはアトリエで気にかけない。

確かに、それぞれ具現したキャンバスの最終的な均衡は、自分には簡略化の意味しかないし、実際には定義をせず、尊敬することや修正をすることを強いない。

たとえば、この絵画は手業で行われている、しかし、
«これで終わりだ、もう手を触れることはないか?«と自分に問いただす最後の瞬間は無意識な指示である

«大変なことだ、そこまでやったのに... «

アトリエでは、我を忘れて没頭するのは当たり前で、もし、不適当な助言だけしかなかったら、私は長い間、絵を描いていなかった。そして、自分の唯一のエネルギーを認めていない作品の実現に尽力しながらの好循環での活動中のこの放棄を見つけ出したような気がする。

ここには いくつかの形が、あそこには、いくつかの領分が、それは不確かである。
そして、他には何がある?
自分は知らないし、知りたくもない...

しかし、今現在も、壊れやすい誤解と絶え間ない私の人生に包まれた絵画への激しい欲望は残っている。 絵画はよりよいものを取り戻さない、幸福もそうである。
絵画はほんの少しの孤独を取り戻させる。

ここにはいくつかの形が、あそこには、いくつかの領分が、それは不確かである

フィリップ・クロック 2016年1月

Exposition FUZJKO HEMMING 個展「フジコ・ヘミング」

Exposition du 23 janvier au 26 fevrier
(会期 2016年1月23日~2月26日)
Vernissage le vendredi 22 janvier 2016 à partir de 18h
(ヴェルニサージュ 2016年1月22日18 :00)

Née à Berlin d’un père peintre/architecte russo-suédois et d’une mère japonaise, Fuzjko Hemming retourne au Japon avec ses parents à l’âge de 5 ans, juste avant le début de la seconde guerre mondiale. Son père rentre en Suède et sa mère commence à l’élever seule. C’est elle qui lui donne ses premières leçons de piano.
Après l’Ecole de Musique de Tokyo (actuel Conservatoire Supérieur de Musique et des Beaux- Arts de Tokyo), Fuzjko Hemming poursuit ses études à l’Institut de Musique de Berlin. Elle est engagée comme soliste à Vienne par Bruno Maderna, l’un des plus grands compositeurs et chefs d’orchestre du siècle. Là, elle bénéficie aussi de conseils de Leonard Bernstein. Mais suite aux complications d’un simple rhume, elle perd l’ouïe juste avant un récital, infortune terrible pour une pianiste… Elle retourne au Japon en 1995 après le décès de sa mère. Un documentaire de la chaîne NHK, diffusé en 1999 lui est consacré et retient largement l’attention du grand public, et son premier CD « La Campanella » se vend à plusieurs millions de copies, une exception dans le monde du classique. Fuzjko Hemming est une « inoubliable pianiste » selon Mischa Maisky, qui ne tarit pas d’éloges sur elle.
Par ailleurs, Fuzjko cultive depuis l’enfance un talent pour la peinture et organise de nombreuses expositions à travers le monde. Maxim Vengerov dira même de Fuzjko Hemming : « Je suis admirateur de votre art, votre musique et votre peinture ».

ロシア系スェーデン人で画家/建築家の父と日本人の母を両親として、ベルリンに生まれる。
フジコ ヘミングは5歳の時、第二次世界大戦が始まる前に両親と日本へ帰国したが、その後、彼女の父はスイスへ戻り、母は一人手でフジコを育て、母の手ほどきでピアノを始める。東京音楽学校(現在は東京芸術大学音楽学部)を卒業し、ベルリンにある国立ベルリン音楽学校で勉強を続けた。彼女はブルーノ・マデルナという、偉大な指揮者、そして当時のオーケストラのシェフのソリストとしてヴィエンヌのコンサートに参加した。そこで、彼女はレオニード・クロイツァーからの薫陶も受ける。しかし、リサイタル直前に風邪をこじらせ、聴力を失ってしまう。
1995年、母が亡くなった後、フジコは日本へ帰る。4年後の1991年にNHK放送のドキュメンタリー番組が放映されて大きな反響を呼び、初めて発売されたCD「奇蹟のカンパネラ」は、200万枚を超える売り上げ(2012年4月現在)という、クラシック界異例の大ヒットを記録した。ミシャ・マイスキーは《忘れ得ないピアニスト》として、称賛を送っている。
その一方で、フジコは幼少期の頃から絵画の才能を発揮し、世界を又に掛けていくつもの 展示会を開催している。マキシム・ヴェンゲーロフは“私はあなたの芸術、あなたの音楽の崇拝者です”と述べている。

Orpheus creations
共催:Orpheus creations

News Digest
協賛:News Digest

EXPOSITIONS 2015

Entre l’abstraction et la figuration / 抽象と具象の間

会期:2015年12月5日(土)~2016年1月16日(土)
Exposition du 5 decembre 2015 au 16 janvier 2016
ヴェルニサージュ: 2015年12月4日18:30
Vernissage le 4 decembre 2015 à partir de 18 :30

Nassim ALAMIN ナシム アラミン
Hyun Joo CHOI ヒュン ジョ- チョイ
Olivier de COUX オリビエ ドゥ コ-
Philippe CROQ フィリップ クロック
Yoko FUKUSHIMA ヨウコ フクシマ
Isabelle de GOUYON MATIGNON イザベル ドゥ ゴウヨン マティニョン
Pascal GUICHARD パスカル ギシャール
Hiroshi HARADA ヒロシ ハラダ
Zhong Yi MA ツォン イ マ
Motoko MURAMATSU モトコ ムラマツ
Riten OTSUKA リテン オオツカ
Haruhiko SUNAGAWA ハルヒコ スナガワ
Mitsuaki TSUDA ミツアキ ツダ

Ni vue Ni Connu

Exposition : Nicolas BERNIERE, Sandrine ELBERG, Tina MERANDON, Marianne PRADIER, Vincent PRIEUR.
(会期 2015年10月30日~11月28日)
Vernissage Jeudi 29 Octobre 2015 à partir de 18h
(ヴェルニサージュ 2015年10月29日18 :00)

Films courts, sélection Brigade des Images 2015 : Sébastien DURANTE, Cornelia EICHHORN, Ben JUDD, Jared KATSIANE, Lucie MERCADAL, Javi NAVARRO, Jean PREVOST, Bastien SIMON, Céline TROUILLET.

Ce projet a été imaginé grâce à deux livres : l’un de Béatrix le Wita « Ni vue ni connue », une approche ethnographique de la culture bourgeoise en France et l’autre de Richard Hoggart « La culture du pauvre », une étude sur le style de vie des classes populaires en Angleterre.
D’après nos politiciens et nos médias, les différentes classes sociales ont disparu. Néanmoins, les riches sont devenus plus riches et les pauvres, plus pauvres.
Cette exposition et ces films abordent cet escamotage, là où le bât blesse.
Laurent Quénéhen, commissaire du projet

ブリガードデイマージュ選定、2015年度短編映画集:
セバスチャン・デュラント、コーネリア・アイヒホルン、ベン・ジュード、ジャック・カチアヌ、ルーシー・メルカダル、ヤヴィ・ナヴァロ、ジャン・プレボスト、バスティアン・シモン、セリーヌ・トゥロイエ

このプロジェクトは、2冊の本により考案された。1冊目は、ベアトリス ル ウィタの作品の仏国の中級階級文化の民族学アプローチの書 « Ni vue ni connue »、そして2冊目は、英国の庶民階級の生活様式の研究書« La culture du pauvre »である。政治家やマスコミによれば、社会的階級の差は消え去ったという。しかしながら、裕福な人々はより裕福になり、貧しい人々はより貧しくなっている。
今回の展示とフィルム作品は社会の弱点とごまかしに取り組むものである。

展覧会運営委員 ローラン・ケネアン

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Keisuke Kinoshita

Exposition « Ligne et esquisse − 2 »
Artiste Keisuke Kinoshita
Du 25 septembre au 23 octobre 2015
Vernissage le 25 septembre de 18h30
会期 2015年 9月25日~10月23日
ヴェルニサージュ9月25日18時半~

木下恵介展 “線と写生”
木々の繁る道、足元に生える草花、遠くにみえる山々の連なり、あるいは水面のきらめき・・・これらは私たちを包む自然の一部である。季節、そして年月とともに着実に変化しながらも、普遍的なもの―木下恵介は、常にこれらの身近な情景について心にとめ、これまでの作品の中にも、その要素は折に触れて描かれて きている。 そして同時に、それらと寄り添うようにして作品に繰り返し表れてきたのが「線」である。エッチングによる細く密集し入り組んだ線から、リトグラフやリフトグランドなどによる力強い筆跡がそのまま伝わる太い線、あるいは、リトグラフの油性インクを直接塗り重ねた均一な線。技法を問わず、あらゆる可能性を探求 し続けている。また、これらの線と線が交差することにより新しい動きが生み出され、全体の印象も変化してゆく。線を引くということは、それ自体は非常に単純でありながら、多様な表情を生み出し、多くを語る行為なのである。風景と線。木下の作品の中では時にこれらの二つの要素が組み合わされ、また溶け合い、お互いに補完しあう。線を引くその過程は、私たちを取り巻く風景を解釈する様々な試行錯誤と等価であり、その延長線上に、自然がいつもと同じようにそこに存在しているのである。
愛媛県美術館 主任学芸員 杉山はるか

« Ligne et esquisse − 2 »
Le chemin dans les bois, des fleurs et des herbes au près, la succession de montagnes vues au loin,ou encore, le rayonnement de la surface d’eau ; ce sont des éléments de la nature qui nous embrassent. Ces phénomènes changeants au cours des saisons et des années s’inscrivent dans l’universalité.
Ces paysages quotidiens gravés dans sa mémoire, l’artiste Keisuke Kinoshita continue à les exprimer dans sa création, en toute occasion, jusqu’à présent. En parallèle, « la ligne » est constamment présente dans ses oeuvres. Des traces extrêmement fines et enchevêtrées dans ses tirages à l’eau forte, des larges traits dont l’énergie brute se transmet par le moyen de la lithographie ou de l’aquatinte au sucre, des couches de lignes uniformes à l’encre gras qui sont directement appliquées sur le support. L’artiste cherche toutes les possibilités d’expression en franchissant la frontière entre les différentes techniques. Tracer une ligne − le geste simple en soi − est un acte qui réalise des figures complexes, et donne la parole avec abondance. Dans les ouvrages de Kinoshita, le paysage et la ligne se composent, fusionnent, et se complètent. Son acte de tracer une ligne équivaut à une tentative de comprendre le paysage réel qui nous entoure, et sur cette ligne de prolongement, la nature demeure comme toujours, ici et là-bas.
Haruka Sugiyama
Conservatrice en chef du Musée d’art de la préfecture d’Ehime

Dominique Chazy

Lola B. Deswarte

Corp(s) et Re^ve(s) 身体と夢

Exposition du 07.08 au 15.09.2015
(会期2015年8月7日から9月15日)
Vernissage le vendredi 3 Juillet à Partir de 18h
(ヴェルニサージュ:2015年8月6日18:30~)

Dominique Chazy / dessin
Lola B. Deswarte / dessin et sculpture
Jean-Arneau Filtness / vidéo
Huma Rosentalski / photographie
commissaire de l'exposition / Sayaka Shibao

参加作家
ドミニク- シャジィ(デッサン)
ロラ- B. デズワルト(デッサン、インスタレーション)
ジャン-アルノー-フィルトネス(ビデオ)
ユマ-ローゼンタルスキ(写真)

キュレーター 柴尾サヤカ

4人の現代作家がデッサン、彫刻、ビデオ、写真を使って身体と夢をテーマに表現する。ドミニク-シャジィはフランスパリ在住の美術家であり、おもにデッサンを使って 夢と現実の間を揺れ動きながら、家族などの近しい人間関係を巡って自伝的なテーマを物語的に解釈しながら描く。ロラ-B-デズワルトはパリ近郊クレテイユ生 まれの作家である。彼女の作品はルイス-ブルジョワやバージニア-ウルフなどの20世紀において女性としてのアイデンティティを追求した作家たちと似通っているところがある。幼少期の思いでなどの過去の記憶をテーマにデッサン、インスタレーション、3Dなどの映像作品を生み続けている。ユマ-ローゼンタルスキーはドイツのドルトムント生まれの写真家である。ごく日常の中で家族などの身近な人々を撮った作品は親密である。作品はまるで一つの舞台装置のようであり、見るものに儚い印象を与える。映像作家ジャン-アルノー-フィルトネスはアイルランド生まれのフランス人作家である。夢やフィクションなどをテーマに映像制作を行っている。

Peggy Viallat Langlois

Kyoko Dufaux

« Les Insectes » インセクト
Frédéric Arditi, Klervi Bourseul, Kyoko Dufaux,
Raphaelle Lavaud-Bonnard, Vincent Ravalec,
Nathalie Tacheau, Peggy Viallat Langlois
フレデリック・アルデイティ、クレルヴィ・ブルセル、恭子・デュフォ、
ラファエル・ラバウド-ボナール、ヴァンサン・ラヴァレック
ナタリー・タショ、ペギー・ヴィラ・ラングロワ

Exposition du samedi 4 Juillet au vendredi 31 Juillet 2015
(会期:2015年7月4日~31日)
Vernissage le vendredi 3 Juillet à Partir de 18h
(ヴェルニサージュ:7月3日18 :00~)

Les Insectes
A l’origine de cette exposition sur les insectes, il y a le texte de Vincent Ravalec, puis une rencontre avec l’artiste Peggy Viallat Langlois. Des mots de l’écrivain, un papillon s’envole et entraine dans son battement d’ailes des répercussions en chaines : les éditions du Bourdaric proposent alors à cinq artistes : Frédéric Arditi, Klervi Bourseul, Raphaelle Lavaud –Bonnard, Nathalie Tacheau et Peggy Viallat Langlois, d’intervenir directement sur les livres dans une correspondance picturale et esthétique avec le texte. Aucune erreur n’est envisageable, les dessins se composent à main levée, chaque édition est un risque, une pièce unique. A la suite de ces éditions originales, une exposition se met en place dans la Galerie Grand E’terna et une sixième artiste japonaise s’ajoute au projet : Kyoko Dufaux. Le début de l’été est l’occasion de les découvrir tous ensemble, les apercevoir un moment, effleurer leurs ailes légères et colorées, goûter un vol sensuel et décoller des pavés parisiens dans un battement d’ailes. Laurent Quénéhen, commissaire de l’exposition

インセクト
展示会「インセクト」は、フランス人文筆家、映画監督、シナリオ作家のヴァンサン・ラヴァレックの原文と、フランス人作家ペギー・ヴィラ・ラングロワとの出会いから生まれた。 作家の言葉“1匹の蝶が飛びたち、連続的な影響を及ぼす羽ばたきが人を魅了する”それは、ブーダリックギャラリー出版が、絵画的な調和と原文の美しさをダイレクトに表す本にするために、5人の作家、フレデリック・アルディティ、クレルヴィ・ブーセル、ラファエル・ラバウド-ボナール、ナタリー・タショ、ペギー・ヴィラ・ラングロワを提示した。誤りは予想し得る事ではなく、デッサンは挙手により構成され、各々の出版にはリスクと特異性が存在する。

これら初版本の後に、展示会がギャラリー・グランエターナで行われ、6人目に、日本人作家 恭子・デュフォが参画する。 初夏は、全ての人がそれらを見出し、瞬間を垣間見、軽やかで色鮮やかな翅に触れ、官能的な飛翔を満喫し、羽ばたきの中でパリの街路を飛び立つ機会である。

展覧会運営委員 ローラン・ケネアン

Yaya Herman DUNE

Anne Gilman

Tibari KANTOUR

Go SEGAWA

Livre d’Artiste “Questions”

<ESTAMPES+>

Exposition du 21 mai au 26 juin 2015
(会期:2015年5月21日~6月26日)
Vernissage, Jeudi 21 mai 2015 18h30-21h00
(ヴェルニサージュ:2015年5月21日 18:30~)

Mardi 26 mai 18h30~20h30 :
<Signature du Livre d’Artiste ”Questions”:poèmes d’Alain Jouffroy,gravures d’Akané Kirimura > en présence du poète et de l’artiste avec la participation des Éditions R.L.D.
19h~ :
Lecture des poèmes par Alain Jouffroy & Akané Kirimura

5月26日、19時よりアラン・ジュフロワによる詩の朗読、18時30分より20時30分まで、エディションRLDより出版されるリーヴル・ド・アーテイスト“Questions”(詩:アラン・ジュフロワ,銅版画:アカネ・キリムラ)の出版記念発表が詩人、アーティスト同席の上、行われる。ジュフロワ氏はシュールレアリストと多くの交流を持ち、美術評論家としても知られる。

<ESTAMPE+> est une expositon collective d’estampes composée de neuf artistes travaillant dans différents pays (USA,Suisse,Maroc,Japon,et France). Les estampes choisies en fonction de leur originalité et de leur technique différente sont très aventureuses et dépassent le travail de l’estampe au niveau artistique.
Anne Gilman(USA) étale de l’encre sur des carreaux de sol et imprime sur du papier 96.5x223.5cm, Sandro Godel(Suisse) utilise la technique de l’hélio gravure avec sa sensibilité, Tibari Cantour(Maroc) fabrique son propre papier sur lequel il imprime la gravure avec de chaleureuses couleurs, Takuji Hamanaka(Japon,USA) fait de la gravure sur bois avec du BAREN(outil traditionnel japonais), Mitsuko Mori(Japon,France) expose des sérigraphies géométriques inspirées,Go Segawa(Japon,France) sculpteur s’est essayé à l’impression pigmentée en deux dimensions,Yaya Herman Dune(France) musicien artiste expose des lithographies, Anne Paulus(France) et Akané KIRIMURA(Japon,France) utilisent la technique de l’eau-forte avec chacune leur originalité.

<ESTAMPES+>
 <ESTAMPES+>はアメリカ、スイス、モロッコ、日本、フランスでインターナショナルに活動する9人のアーティストによる版画展である。それぞれの独自性と多彩なテクニックにより表現された版画は冒険に満ちアーティスティックな意味において版画の域を超えた広がりを見る者に感じさせる。
 アンヌ・ギルマン(アメリカ)は床に敷かれた古いタイル(又は石)にインクを塗り付け96.5×223cmの紙に刷り、サンドロ・ゴーデル(スイス)はヘリオグラヴュール(写真技法の一つ)の技法を使ってその繊細な感性を表現する。チバリ・カントウール(モロッコ)の版画は自身で製作した紙のマチエールと暖かみのある色が美しいハーモニーを醸し出す。タクジ・ハマナカ(アメリカ・日本)は日本の伝統的な技法のバレンを使って軽やかな抽象の世界を創り、ミツコ・モリ(フランス・日本)は限定された色と形の幾何学抽象をシルクスクリーンで発表する。立体作家のゴウ・セガワ(フランス・日本)はデジタルプリントでアクリル板に刷る二次元の表現に挑戦、ミュージシャンでもあるヤヤ–ヘルマン・デューヌ(フランス・スエーデン)はその独特な物語性をリトグラフで、アンヌ・ポーリュス(フランス)は腐食されたジンク板を構成して白黒のくっきりした空間を創り出し、アカネ・キリムラ(フランス・日本)は生命のテーマを銅版画とタイポグラフィーを使って刷り上げる。
 今回の展示では又、それぞれの作家の同じサイズの小品各4点を一つのスペースに構成するがそれが生み出す効果も興味深い。

Francis Violettek
フランシス ヴィオレット 個展

Exposition du 13 avril au 13 mai 2015
(会期:2015年4月13日~5月13日)

Texte de Luc De Banville. (extrait)
Francis Violette peintre déséquilibriste.
Francis Violette peint chaque jour, son travail s’inscrit dans la régularité du geste.
Parfois, il est créateur d’images, certains tableaux, ses images numériques ou vidéo, ses installations nous parlent des paradoxes, de l’intrusion de l’étrange, du fantastique dans la vacuité du monde, une pensée précise et insolente, un goût pour le jeu et un humour parfois féroce, une habilité à composer des « objets de pensée » pertinents.
Qu’est-ce qu’engager un geste de peinture aujourd’hui ?
Où demeure le risque, l’engagement, le combat, l’enjeu ?.
Qu’est ce qui fait continuer ?
Il ne s’agit plus ici de production d’images.
Plutôt du geste qui cherche et de sa trace.
Du geste qui ne peux plus trouver son équilibre dans les « usages de l’œil », recourir à un quelconque ordre préexistant. Francis commence par préparer son support : « ouvrir un champs expérimental » comme il le dit lui-même dans le très beau film d’Héloïse Capoccia « Francis Violette : un peintre au travail ».
C’est de ce geste à suspendre, cette ouverture totale vers l’expérience du présent que les tableaux témoignent. Plutôt qu’un champ de bataille, la trace vivante d’une expérience.
Le VEPP (Vecteur Energétique de Production de Peinture) et l’OCC sont aussi des outils et des guides, des marques et des traces qu’il a créé, des points d’appuis pour mener à bien cette aventure de chaque instant.
Finalement, sur le tableau terminé, tout se tient, et l’on ignore comment.
L’espace du tableau fini est celui de cette expérience de la peinture comme expérience du monde.
Notre monde, nos instants, notre temps.
Luc de Banville

フランシス ヴィオレット 不均衡の画家
フランシス ヴィオレットは毎日の絵画の中でその所作を身に刻み込む 。時に彼は偶像の創造者であり、いくつかの絵画、デジタル映像やビデオ、インスタレーション作品は、逆接性や異文化の介入、世界的空虚の中の幻想を私たちに語り掛ける。それは明確かつ不遜な考えであり、時に残忍なユーモアと遊びへの関心、適切な思考の対象を組み立てる能力と言える。今日の画家の活動を支えているものはなにか。リスク、義務、戦いとそこに賭けられているものとはどこに潜んでいるのか。誰が続けさせるのか。もはやここで考えている場合ではない。足跡を求める行動に出なければ。目を使って平衡を見つけるという行為は前在する何らかの秩序を発見することに繋がる。 彼はエロイーズカポッチャの”フランシス ヴィオレット:仕事中の画家”という映画 ・ ・ の中で、まず経験の場を開くことから始める、と述べている。
絵画が証明する現在の経験に向かう精神の開放は物事を停滞させる行動。しかしそれは戦場というより経験の生きた証というべきである。
VEPP(絵画制作エネルギーベクトル)とOCC(絵画を作る上での全てのエネルギーのことをフランシスはこう呼んでいる)は毎回魅惑の冒険へと彼を導く大切な役目を果たしている。
最終的に絵画が仕上がる時、全てが必要な場所へと収まり、全てが沈黙する。
絵画の終演は世界が経験したかのように絵の中に収められる。
それは我々の世界であり、瞬間であり、この時である。
リュック ド バンヴィル

Grete Berg Stenmark
グレタ・ベルグ・ステンマルク展

Exposition du 10 mars au 4 avril 2015
(会期:2015年3月10日~4月4日)
Vernissage, le jeudi 12 mars 2015 18h30-21h00
(ヴェルニサージュ:2015年3月12日 18:30~)

L'artiste norvégien Grete Berg Stenmark nous montrera son univers avec des peintures originales.

Parfois elle utilise des images des célèbres Beatles en changeant les perspectives. Mais la plupart du temps elle construit des scénarios et compose des endroits, des rues, des personnages et des événements issus de son imagination- vus du ciel.
Stenmark est dans la lignée de la tradition figurative classique.
Ses peintures l'ont amenée à exposer dans des musées et des galeries de monde entier, en Asie, en Amérique, en Russie et dans beaucoup de villes européennes.
Née au nord de la Norvège, elle rêvait depuis son enfance d'exposer à Paris. Beaucoup de Parisiens connaissent son travail depuis qu'elle a présenté son oeuvre lors du Salon d'Automne en 2003 ou, encore, lors de l'exposition "Art en Capital" au Grand Palais en 2006.
Elle est maintenant très fière de pouvoir présenter ses peintures à la Galerie Grand E'terna qui lui consacre une exposition.

空望
ノルウェー人アーティスト、グレタ・ベルグ・ステンマルクが導く彼女独特の絵画の世界。
時に彼女はあの有名なビートルズの写真を観点を変えて用いる。しかし多くの時間を費やすのはシナリオ、場所の構成、道、人物、また彼女のファ ンタジーから引きおこる出来事である。ステンマルクは俯瞰技法に精通し、彼女の作品はアジア、アメリカ、ロシアそしてたくさんのヨーロッ パの国々の美術館やギャラリーに展示されている。
ノルウェーの北部に生まれ子供の頃からパリで展覧会を開くことを夢見てきた。そして彼女は2003年のサロンドートンヌ、2006年のグランパレに於けるアートオンキャピタルの成功により、沢山のパリジャン、パリジェンヌの知るところとなる。今回のギャラリーグランエターナに於ける個展開催を誇りに思うと話している。

≪Lumière et vous≫ Takeshi Sumi
「光とあなた」 澄毅 写真展

Exposition du 12 au 28 février 2015
(会期:2015年2月12日~2月28日)
Vernissage, jeudi 12 février 2015 18h30-21h00
(ヴェルニサージュ:2015年2月12日 18 :30~)

Lumière et moi Lorsque je regarde la série « Light project » de Sumi Takeshi, je me rends compte que j’essaie de faire deux actes contradictoires. L'un, je vois la lumière venant des trous de l’image ; L’autre, j’essaie de l’esquiver, afin de voir l’image cachée derrière.
Ces œuvres, créées à partir de photographies imprimées et, ensuite, perforées par l’aiguille, sont transparentes à la lumière de soleil. La matérialité de la photographie est l'un des éléments clés de l’artiste.
Il appelle ces percements « le point de douleur ». De quelle douleur est-il question ? De celle des personnages apparus dans l’image, ou de celle de l’artiste lui-même ? Selon l’artiste, il s’agit de la douleur des souvenirs imaginés. Afin d’effectuer la procédure de perforation, il lui est indispensable de l’imager. C’est le moyen de s’approcher de la perception réelle de cette sensation.
L’imagination est autre chose que le souvenir. Mais, comme évoque Daido Moriyama, la mémoire ne peut-il pas imaginer le passé ?  Plus je m’approche de la sensation que j’ai eue dans mon passé, plus je suis retirée dans le présent, car la mémoire quasi-concrétisée devient la perception. L’imagination, comme le souvenir, pourrait-il ainsi inciter la perception ? Quand l’artiste perfore le papier photographique, il fait une expérience virtuelle et charnelle. La photo est percée et la douleur imaginée s’approche de la perception réelle, tellement réelle qu’elle le transperce, lui aussi.
Lorsque la lumière traverse les trous de l’image photographique, elle rencontre mon regard, reflète mes iris. Et quand je reconnais la présence de la trace de blessure, l’image lumineuse éblouissante devient un objet de sublimation.
L’artiste exprime cette lumière « vide ». Pourtant, en le regardant je me sens satisfaite en quelque sorte. Serait-il, parce que la particule de lumière semble se métamorphoser en matériel ?
Les images photographiques que traite l’artiste sont liées à son histoire personnelle. Maintenant je regarde ses images traitées, y compris l’espace « vide ». Si j’essaie de voir quelque chose d'autrefois qui aurait dû exister un certain temps, ne serais-je pas tenter de voir, non le passé, mais le futur ? Car la volonté, c’est imaginer, et rêver.

澄毅のLight projectの作品を見ると、光を見ると同時に、光をよけて「あるはずだったイメージ」を見ようとしていることに気がつく。つまり、相反する2つのことを同時にしようとしているのだ。

澄毅はプリントされた写真に針で穴をあけ、さらに太陽光を通して作品を作る。印刷物という物質性は、そのために作家にとって重要な要素でもあるのだ。

針によって突かれた点のことを、作者は痛点と呼ぶ。しかし、それは誰の痛みだろうか?イメージの中の人物、写真、それとも作者自身?痛みを想像することなしに突くことはできないのだと、作者は言う。

想像することは思い出すことはちがう。しかし、もし森山大道がいったようにもしも記憶が過去を想像できるなら?記憶は、思い出そうそして具現化に近づけば近づくほど、現在の知覚にひきもどされてしまう。そして思い出そうとすればするほど現在感じる知覚に近づく、それは想像によっても可能なのではないだろうか。写真用紙を針で穴を開けた(perforer)時、作者は擬似的肉体的体験(virtuelle charnelle)をしている。物質が切り貫かれた時、想像された痛みは知覚に限りなく近づき彼をも貫いている(transpercer)のではないだろうか。

そしてそのようなプロセスを経て通された光は、我々の視線と出会う。我々が、そして虹彩(iris)と反射し傷(blessure)を思う時、イメージは純化(sublimation 浄化も含む)されたオブジェとなる。

イメージから漏れた光のことを、作者は空白(vide)と表現している。しかし、なぜだろうか、満たされるように感じる。それは光が物質に生成されたように感じられるからだろうか?

扱われた写真イメージは作者の個人的な歴史とつながりがあり、写真に手を加えられた作品を見る私の現在がある。しかし「あるはずだったイメージ」を見ようとするというのは、過去ではなく未来を見ていることに他ならないのではないか。なぜなら意志は、想像し、夢みることでもあるからだ。

Ayuko Nishida (artiste)

Pascal Barat
パスカル・バラ展

Exposition du 21 au 7 février 2015
(会期:2015年1月21日~2月7日)
Vernissage, jeudi 22 janvier 2015 18h30-21h00
(ヴェルニサージュ:2015年1月21日~2月7日)

Pascal Barat cherche ses terres colorées en quête de valeurs visuelles nouvelles et d’une aventure plastique unique. Il établit un formidable dialogue secret avec les matières qu’il utilise (terres, sables, pierres…). La matière pour lui n’est pas un simple moyen pour créer la forme, elle est l’essence même de celle-ci. Ainsi, la scène mêle raison et affect, et dans ce champ de rencontre poussent les signes et les symboles. Comme si Barat se situait entre la limite de la matière et la question métaphysique. Il nous dit à quel point toute réalisation plastique est le signe même de son explosion et de sa dissolution dans le tissu d’une réalisation à venir, naissant d’un utérus archaïque et lointain.
Quand il réalise un travail unidimensionnel sur une surface colorée avec une figuration succincte qui renvoie aux parois des grottes, il redonne au monde son enfance. Dans la joie de la découverte, il suggère le rythme, évoque la métamorphose de la matière et entrevoit le lien entre l’origine et la lumière du devenir.
L’art et la philosophie ne sont-ils pas une recherche des nouvelles règles du jeu contre le sens établi ? Pascal Barat semble nous dire que la Terre – planète bleue éclaboussée de blanc, de vert, aux innombrables nuances de terre – est une donnée plastique première. Comme si l’art était la réalité physique initiale avant l’atome et au-delà de la galaxie, dépourvu d’histoire parce qu’existant avant l’Histoire même, loin de la dialectique, de la figuration, de la ressemblance et des ombres des hommes des cavernes. L’art serait là, dans la réalité de la relation entre l’œil et l’être, dans la distance infinie entre un grain de sable et la voûte du ciel…
Pascal Barat reconstruit son enfance à l’âge de la maturité. La Terre, menacée par les risques écologiques et nucléaires, lui est devenue étroite par la vitesse et le temps. Il nous renvoie à son origine avec des outils simples et des matières premières naturelles.
Petit prince sur sa petite planète, il n’a nul besoin qu’on lui dessine mouton, maison ou oiseau…
Kazem Khalil, artiste peintre (extraits)

パスカル・バラによる25のキャンバス作品と15体に及ぶ立体作品によって構成される今回の展覧会は、この造形芸術家の無機質さと歴史、足跡を表現している。彼の作品は常に砂、粘土、オークル、粘板岩、炭、石灰等の鉱石や自然顔料であり、それらは乾燥、粉砕、ふるいにかけた後に練られ、作品へと使われる。彼のキャンバス作品は鉱物の滝や花崗岩質の平面天球体、もしくは有機形体を連想させながらも抽象画に分類される。洞窟、砂漠、岩盤や都会のアスファルト。それらは彼の作品となり、時を刻み、痕跡を残し、私たちを隠れた真実や真の造形の向う側へといざなうのである。

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