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EXPOSITIONS 2014

≪Entre l’abstraction et la figuration≫
Arman, Brigitte Prieur, Christine Lassara,Charles Bézie, Dhawan, Franger,
Hiroshi Harada, Kristian Desailly, Pal Sarkozy, Richard Morice, Rika Kato,
Ritten Otsuka, Suk Hee Lim, Tadatoshi Fujino, Trong Vu Tran, Wu Hao.

「抽象と具象の間」 原田宏他

Exposition du 5 Decembre 2014
(会期:2014年12月5日~)

Une des grandes inventions du XXe siècle a été l’abstraction. Vassili Kandinsky en a été le premier maître et son livre paru en 1909, Di spirituel dans l’art, en fut la première justification théorique. Après lui, vinrent les artistes des avant-gardes, les rayonnistes, les vorticistes, les suprématistes, les constructivistes, le néoplasticisme de et de ses amis aux Pays-Bas, et bien d’autres : l’Europe s’est mise au diapason de l’abstraction. Des groupes se sont créés comme Abstraction/Création. Après la dernière guerre ; ce fut une explosion avec l’abstraction lyrique aux Etats-Unis, et pas seulement à New York, l’ « Ecole de Paris (on a parlé soit d’ « informel », soit d’ « abstraction lyrique »), le spatialisme de Fontana à Milan, le groupe Madi sur les bords du Rio de la Plata. Au lieu de s’épuiser, l’abstraction a résisté aux coups de boutoir de l’art minimal, conceptuel, néo-conceptuel, néo-minimal et aux différents retours à la figuration. Aujourd’hui, sous des formes renouvelées, reprenant des thèmes du passé ou non, cet art existe plus que jamais. Et bien des artistes utilisent en même temps abstraction et figuration.
Quant aux artistes figuratifs, ils poursuivent une nouvelle « tradition du nouveau », ce genre vieux comme l’art occidental ne cessant de se renouveler de génération.
Hiroshi Harada a réuni autour de lui quinze artistes. Il représente lui-même un mode géométrique de l’art abstrait, mais qui n’est pas purement formaliste. C’est donc une vision originale, entre les deux pôles extrêmes de la peinture, qu’il nous propose avec des démarches singulières dont l’imaginaire peut confiner aux frontières du rêve. Car la peinture, souvenons-nous de la formule de Léonard de Vinci, est cosa mentale.

Gerard-Georges LEMAIRE / écrivain critique d’arts

20世紀のもっとも重要な発明は抽象であった。1909年、ヴァシリ・カンディンスキーの書籍が発行されたとき彼は抽象の最初の指導者であり、アートの精神性を唱え、初めて理論を証明したのだった。彼の後、アバンギャルドの作家が登場し、レイヨニスム、シュプレマティスム、その後には構成主義、オランダのモンドリアンが創始した新造形主義も現れる。ヨーロッパは抽象に調子を合わせることになった。抽象という数々のグループが作られた。戦後はアメリカにおいて叙情的抽象が爆発的増加をみる。
ニューヨークにおいてだけでなく、エコールドパリ(アンフォルメルもしくは叙情的抽象)、ミラノにおけるフォンタナの「空間主義」、リオドラプラタ(ウルグアイとアルゼンチンに挟まれた川)におけるマディグループなど。疲弊することなく、抽象はミニマルアート、コンセプチュアルアート、ネオコンセプチュアル、ネオミニマル、の猛攻撃に耐えた。今日、新しい形式の元で過去の主題を組み込むか否かにかかわらず、このアートはかつてないほど存在している。多くのアーティストは抽象と具象を同時に使っていて、具象画家のように彼らは新しい「新伝統」を追求している。この西洋美術のような古い種類は世代を更新していくことをやめない。
原田宏は15名のアーティストを集めた。彼は、彼自身で幾何学的抽象芸術という様式を表現しながらも、純粋な形式主義ではない。したがって、二つの両極端の絵画の間で独創的な視点を持ち、独特なアプローチを私たちに提供してくれる。想像力は夢と紙一重なのだ。なぜなら、レオナルドダヴィンチの方程式を思い出してみればわかるように、絵画とは精神的なものだからだ。

ジェラル・ジョージルメール 美術評論家

« Pénélope s’en va »
「ペネロペは行く」
Faina Kremermann, Frédéric Xavier Liver, Hélène Mougin,
Laurent Quénéhen et Rada Tzankova

Exposition du 7 au 29 novembre 2014
(会期:2014年11月7日~29日)
Vernissage le jeudi 6 novembre -
(ヴェルニサージュ:2014年11月6日)

L’histoire de l’Europe s’est élaborée sur les récits des mythes grecs et dès l’école, on apprend à tous les enfants français et européens l’histoire de Pénélope qui attend le retour d’Ulysse. Les petits cerveaux sont éduqués avec cette idée que la belle Pénélope se refuse à 114 prétendants et reste dans l’attente absolue de son valeureux guerrier pendant vingt années tout en défaisant la nuit le travail qu’elle avait fait le jour.
Pénélope serait donc la sœur spirituelle de Sisyphe.
Cela rejoint parfaitement les standards religieux qui attribuent à la femme une situation soumise, attentiste, sacrificielle.
L’idée d’une égalité des sexes est une belle idée, mais ce n’est pas avec ce genre de fable historique inculquée à tous les petits garçons et à toutes les petites filles qu’elle peut émerger dans les pensées.
Dans ce projet, les travaux évoquent l’attente, le départ, non pas de manière illustrative, mais par des détails, des allusions sporadiques.
C’est au visiteur que revient la tâche difficile de tisser ces points de raccordement entre l’œuvre et Pénélope qui, à l’instar de son aventurier de mari, s’offrira peut-être un jour une autre vie.

Laurent Quénéhen / directeur, les salaisons

ヨーロッパの歴史はギリシャ神話に基づいて作り上げられており、フランスの子供たち、ヨーロッパの子供たちは皆、オデュッセウスの帰りを待つペネロペの物語を学校で学ぶ。小さな頭脳は、美しいペネロペが114人もの求婚者を拒否する物語によって教育を受ける。彼女は昼間に織った織物を夜になると解くという行為を20年も続け、完全に待ち続けた。
ペネロペはシシュポスの心の姉といえるだろう。これは完全に宗教の標準と一致する。
なぜなら犠牲を払い、待ち続ける、従順な立場の女性だからだ。
性の平等というのは素晴らしい思想だが、このように叩き込まれる種類の歴史寓話によって、小さな少年たち少女たちが目覚めることができる考えではない。この企画ではペネロペの作業は待機すること、出発を連想させるが、それは例証によってではなく、詳細と部分的暗示によってである。冒険家の夫のようにいつか新しい人生を楽しむというペネロペと作品の間に接点を見出すことは鑑賞者にとって困難な作業であろう。

ローラン・ケネアン

« Un lieu après l’autre »
Debesh Goswami

Du 8 au 31 octobre 2014 (会期:10月8~31日)

.....En d’autres mots, ces identités hétérogènes qui souhaitent jouer le même rôle, de même que ces fleurs, et qui ne peuvent être représentées facilement quand certaines sont assemblées de manière disparates et d’autres forment un ensemble homogène. Entre un monde où les signes n’ont pas de frontières et où l’univers imite la réalité sans compromis, ces identités n’ont pas la même place. Si Debesh Goswani cache son sujet en le cou- vrant, n’est-ce pas pour nous faire percevoir par un geste comparable bien que non identique la différence des « je » qui se cachent sous le même déictique, derrière le même pronom. Jean-Marc Poinsot

Né en 1965. Il est connu à travers ses sculptures et ses installations. Employant des matériaux inhabituels qui n'avaient jamais été utilisés.
Les installations de fleurs de Goswami dans des espaces publics lui ont valu une renommée dans un contexte international
Ses sculptures, performances et photographies évoquent, d'une façon générale, la thématique de l'identité, personnelle ou collective. Il négocie son existence entre sa culture d'origine indienne et le monde de l'Europe occidentale dans lequel il vit à présent, ainsi qu'entre l'éternel et l'éphémère.
En 1987, il commence à étudier la sculpture à l'université de Rabindra-Bharati de Calcutta, en Inde. En 1995, il reçoit du gouvernement français une bourse pour les jeunes artistes qui lui permet de quitter l'Inde pour la France et de poursuivre ses études dans le domaine de la sculpture. En 2001, Debesh Goswami obtient son doctorat d'arts visuels à l'Université de Rennes, intitulé "le processus de moulage dans la sculpture contemporaine : technique et temps". En 1996, il reçoit une bourse pour la National Academy of Fine Arts de Poznan (Pologne).
Il a participé à plusieurs expositions nationales et internationales comme la biennale de Liverpool,la biennale Européenne à Nîmes,la biennale d'Asie, Dacca, musée Indien, Kolkata, Bhopal Bharat Bhavan, musée d'art moderne de Moscou ( Russie), les Champs libres(musée de Bretagne), Bangladesh National Museum, Dhaka, Lalitkala Akademi, NewDelhi, international art fair Hong Kong, Art Miami, OMI International Art , New York, et son travail a été récompensé par le Minsitère de la culture (DRAC-bretagne, 2000) et la Cité Internationale des Arts de la Ville de Paris, en 2002, 2008 et 2009.

言い換えるならば、この異質のアイデンティティは同じ役割を演じることを望み、まるで花のようにちぐはぐに絡み合い協調しあい、形を変えながら集合しあい、簡単に表現される事を嫌う。境界線のない特徴と妥協のない真実を模倣する世界との間で、このアイデンティティは交わることがない。デベシュはその主題を覆い隠しながらも、代名詞や直接名詞の裏に隠された多様な主語を分かりやすい方法で我々に感じさせてくれる。
ジョンマーク・ポワンソ

1965年生まれ、デベシュはかつて使われたことのない素材での独特な彫刻と展示で知られている。公共の場におけるデベシュのインスタレーションは国際的背景の中で称賛を受けている。彼の彫刻やパフォーマンス、写真は彼個人の、あるいは集団のアイデンティティーという両方のテーマを想起させる。一方で彼は彼の固有のインド文化と現在生活する西洋の文化の間で実存する自分の存在を扱っているのだが、それはまるで束の間の命と永遠の命の間のようでもある。1987年、カルカッタのラビンドラ・バラティで彫刻を学び始める。1995年、彼はフランス政府奨学生に選ばれ彫刻とインスタレーションの世界を追求するためインドを後にする。2001年、レンヌ第2大学において視覚芸術博士号を取得。論題「現代彫刻の鋳造行程:技術と時間」。1996年ポズナン(ポーランド)における国際芸術アカデミーの奨学金を受ける。彼は数多くの国際美術展に参加している。リバプールビエンナーレ、ヨーロピアンビエンナーレ(ニーム)、アジアビエンナーレ、インド美術館(カルカッタ)、モスクワ現代美術館、バングラデシュ国立美術館(ダッカ)、ラリカラアカデミー(ニューデリー)、香港国際アートフェア、マイアミアートフェア、OMI国際アートフェア(ニューヨーク)など。2000年DRAC(フランス文化省ブルターニュ地方文化局)から、2002、2008、2009年パリのアート・レジデンス(美術留学生専門学生寮)から表彰を受けた。

≪Nowhere≫
Go Segawa, Dominique Chazy, Sandra Vanbremeersch, Olga Rochard, Eduardo Serafim.
Commissaire d’exposition : Sayaka Shibao

Exposition du 7 août 2014 au 27 septembre 2014
(会期:2014年8月7日~9月27日)

"Nowhere" va à la rencontre des zones troubles entre réalité et virtualité. Plutôt que de chercher à définir exactement ces deux mondes, l'exposition explore leur nébuleuse imbrication. Elle en questionne les espaces, les comportements, les faits ou les idées, et plus précisément leurs relations qui ne semblent plus appartenir à une dichotomie certainement dépassée.
Réel et virtuel, concepts hier antinomiques, sont désormais les deux faces d'un même monde. Si l'on considère que "le monde est tout ce qui arrive" (Ludwig Wittgenstein), un certain état des choses peut apparaître dans son flottement et ses frictions dès lors que les ingrédients du monde sont de nature si disjoints. D'un état l'autre.
C'est dans cette confusion temporelle et spatiale entre le réel et le virtuel, dans cet espace inhabité et indéfini, à cet endroit du Nowhere, que nous sommes impactés. "Le réel c'est quand on se cogne" (Jacques Lacan).
Les cinq artistes de l'exposition offrent au travers du dessin, de la peinture, de la sculpture, de la photographie et de la vidéo, leur vision d’un monde hybride aux croisements féconds.

Go Segawa travaille sur les variables entre la réalité et le virtuel, il perturbe le sens et la compréhension des œuvres en jouant avec de multiples approches de la sculpture et ses couleurs. Comment faire passer le dessin en volume ? C’est la question récurrente et motrice de son œuvre. Sa série Dessin/Volume déploie cette réflexion au travers le tracé d’une ligne, sans poids ni matière, qui cependant va créer un volume.
Dominique Chazy interroge par le dessin, et à travers le prisme de "l'inquiétante étrangeté", notre perception du réel. Pourquoi le quotidien devient-il soudain si insolite ? D'où surgit parfois ce sentiment d'angoisse et de familiarité face aux réalités les plus nouvelles ? Collages, cut-up, la feuille blanche devient alors un champ d'exploration et sous la forme d'un récit fragmenté, espaces réels et virtuels s'enchevêtrent mêlant traces du quotidien et imaginaire.
Sandra Vanbremeersch tisse le réel en des brefs instants de poésie visuelle et travaille la vidéo avec une fascination du mouvement et une étrange combinaison des contraires. Elle façonne le détournement de l'image pour nous faire basculer dans un monde onirique et rythmique. Ses vidéos vacillent entre divers états d'être. Parce que la beauté tient pour elle du grincement, la surprésence de l'évanescence, la délicatesse de l'inquiétude, le détail de l'éblouissement, et la temporalité d'un temps suspendu, l'artiste convoque le réel et le virtuel dans un ballet programmé pour une réalité augmentée.
Olga Rochard va puiser dans le réel une énigme. Elle compose un monde qui devient autre et dans lequel apparaîssent des figures latentes. Ses dessins et peintures semblent être à la rencontre de deux espaces, deux histoires, à l’image d’un monde supperposé sur un autre. C’est ce léger flottement qui en résulte qui nous donne un sentiment étrange. Cette friction est d’hier et d’aujourd’hui, de tout temps, et davantage qu’un espace vacant c’est un mouvement moteur. Ici réalité et virtualité ont une empreinte commune.
Eduardo Serafim propose « Argleton Hypodermis », une invitation à la contemplation et à l’imaginaire. Argleton est une ville fantôme qui existe en Angleterre. Mais à cet endroit, en réalité, un champ vide réside. Sa série d’images naît de cette étrange découverte. Comment créer les personnages et paysages de cette ville qui n’existe que virtuellement? Comme dans les hétérotopies, ces espaces concrets qui hébergent l’imaginaire, Edouardo Serafim utilise la surface concrète de son négatif pour créer l’inexistant. Le feu qui brûle le négatif révèle la base de la photographie, l’argent fait surface, ces tâches font apparaître l’hypoderme de son imaginaire.

Laurent Quénéhen et Sandra Vanbremeersch © 2014

"Nowhere"とは、現実とバーチャルの間の実在しない場所にあるものである。
この現実とバーチャルの2つの意味合いを明確にさせる事がこの展覧会の趣旨ではない。
空間、出来事、思想を通して、現実とバーチャルのこれまでのやや時代遅れな定義に疑問を投げながら探求することである。
哲学者ウィトゲンシュタインが言うように、現実は起こっている事から成っていると考えるのならば、あらゆる目の前の出来事は現実の要素がバラバラになったときに、あらゆる無秩序と摩擦の中に突然現れる。
この一時的で空間的な混乱、そして無人で無限な現実とバーチャルの間の"nowhere=実在しない場所"がこの展覧会の鍵となる。
5人のアーティストはデッサン、絵画、彫刻、写真そして映像を通して、それぞれのハイブリッドな世界を見せてくれる。

≪Un homme de l'humanité≫
Kengo Minami
『一人の人』 南健吾

De 3 au 31 juillet 2014
(会期:7月3日~31日)


« Le Parasite » est un des manga que j’apprécie. L’histoire raconte une espèce de parasite qui cherche à occuper les hommes en s’emparant de la tête de ceux-ci. Les hommes deviennent ainsi leur principale alimentation. Dans une telle situation, le héros de cette histoire se fait approprier de son bras par un parasite, et se met à partager son propre corps avec ce dernier. L’espèce de ces parasites est d’un parfait égoïsme : pour leur profit, ils n’hésitent pas à s’entretuer. Il y a une phrase que j’ai retenue, celle que le parasite a adressée au héro qu’il habite ; Les hommes en font un. Ils sont tous liés par un fil invisible. Ce n’est pas le cas chez les parasites ». L’œuvre que je vous propose aujourd’hui est une forme que j’ai donnée à ma réflexion sur ces mots.
Si les hommes sont des êtres liés d’une manière ou de l’autre, il s’agit d’une unité dont feraient partie la famille, les amis, tous ces gens qui rentrent dans ma vue, ou même ceux d’autres pays pourtant jamais rencontrés, ceux qui se trouvent de l’autre côté de la planète. Comme si tous les hommes étaient des cellules qui constituent le corps d’un être, et que chacun d’entre eux jouait un rôle différent des autres. Suivant cette logique, ne pourrais-je pas considérer que la parole d’un ami à moi ou le comportement d’un homme inconnu de l’autre côté de la planète fassent partie de mon existence ? Autrement dit, ne ferais-je pas partie de tous les biens et les maux qui se produisent au monde ? Je pense que cette pensée permet d’avoir une autre façon de voir, une autre façon de comprendre l’autrui. Telle est ma proposition.
Dans le quotidien, ne peux-je pas pardonner ou tolérer des comportements de quelqu’un dont, pourtant, j’ai du mal ? Sinon, je pense pouvoir partager plus profondément des actes bienveillants de quelqu’un. Je pense aussi pouvoir améliorer mes propres comportements vis-à-vis des autres si tout cela retombe sur moi-même. Le monde est divisé de diverses façons ; la culture et les continents (les occidentaux et les orientaux), l’aspect physique (les blancs, les noirs et les jaunes), les nationalités (les Japonais, les Français et les américains), les sexes (homme et femme), l’âge (enfant, adulte), etc. SI on y rajoute la particularité de tous ces domaines, et la différence qu’il y a entre chaque personne, les choses ne cessent de se compliquer. Pourtant, tous ces détails font partie de l’humanité. Font partie de l’humanité tout ce qui a lieu dans le passé, tout ce qui se passe aujourd’hui, tout ce qui va se passer dans l’avenir ; massacre des innocents au nom de la justice ; dictature qui fait souffrir les peuples ; acte courageux de sauver un enfant en train de se noyer dans la rivière ; soigner les blessés et les malades ; faire le don aux pauvres. Il s’agit pour moi de penser que l’humanité est la totalité de tout cela. Quelle partie de l’humanité est plus influant envers les hommes et l’environnement ? Il me semble que ce serait la limité de l’humanité si elle se met à détruire son propre environnement. Un monde idéal auquel je pense serait un environnement où, sans satisfaire simplement le désir, la quantité du bien dépasse celle du mal. Je pense que ce monde est réalisable. J’espère que le bien surmonte le mal chez les hommes, et l’ensemble se dirige dans un sens encore meilleur. Enfin, j’aimerais réaliser toutes mes possibilité pour cela, et de jouer un rôle qui m’est donné.

私の好きな漫画に『寄生獣』(仏版:Parasite)という作品がある。物語は人間の頭部を乗っ取るという形で寄生し、成り変わるという生物が出現し、彼らが人間を捕食するという状況の中、偶然にも主人公は腕に寄生したそれと体を分かち合いながら共存するという設定だ。その寄生生物は完全な個人主義で、同じ種族がいても自分の不利益になると判断すれば、戦い、殺すことも平気で行う特徴を持っている。劇中に主人公とその生物が会話する中で、その生物が人間を客観視して言った「人間は皆で一人なのだ。皆が見えない糸のようなもので繋がっている。私達にはそれがない」という台詞があった。私がこれを思い返し考えたことを作品として形にしたいと思う。

人間が皆どこかで繋がっているような生物なのであれば、身近な人、配偶者や両親、友達などに始まり、視界に入っている他人から、また会ったこともない別の国、地球の裏側に存在している人間までも、一人の個体だとして考えてみる。まるで一人の人間の細胞一つ一つが実際に存在している一人一人と考えてみるように。個人の 色々な部分がそれぞれ別の場所で活動しているかのように。その考えを用いると、知人が行ったその一つの言動も、地球の裏側で起こされた出来事も全ては自分の一部が行った事として捉えることが出来るのではないだろうか。例えば人を思いやり、助けるような慈愛に満ちた善意ある行動も、  人を陥れるような悪意のある行動も、全ては自分の一部が行った事だということ。その考えでまた自分  以外の他人を見た時に、今までとは違った見え方、捉え方が出来るのではないかというのが今回の提案だ。

身近な所で言えば、自分が苦手としている人が行う納得の出来ない言動も、少しだけ認め、許せることが出来るのではないか。また反対に喜べる行為を見た時にはより深く共感することが出来るのではないかとも思う。また、自分が他人へ行う言動も、自分へ行っていると思えば、少し変化があるのではないか。世の中では、人を様々な分け方で分類している。西洋人、東洋人といった、文化や大陸で分けた基準や白人、黒人、黄色人などの外見での基準。日本人、フランス人、アメリカ人など国籍での基準、男性や女性、老人や成人、青年や幼児といった性別や年齢、時期によるような基準といったものだ。それぞれに特徴や気質があり、それに個人差という要素を足せば、掛け算的に複雑なものとなってくる。それら一つ一つが 人間という大きな生物の特徴であり、能力であり、意志であると考える。これまでに歴史の中で行われてきたことも、現在行われていることも、またこれから行われることも、例えば正義の名の元に罪のない人達を虐殺することや、私欲の為の独裁的な政治を用いて民衆を苦しめること。川に溺れた子供を自分の代償もかえりみずに助けにいく行為や、怪我人や病人を手厚く看護すること、無償で恵まれない人の為に寄付することなど。それらを総体としての一人の人間が行った結果なのだと考えてみる。どの特徴が多くの行動を起こし、人や環境へ影響を与えるのか。それが世の中の状態を形作る結果として表れているのだと思う。仮にもし自らが環境を壊し、破滅するようなことであれば、それは人間の限界なのだということではないだろうか。私の考える理想の社会とは満足な資本に支えられた、只々欲を満たすものではなく、最低限の蓄えの元、他人へ行われた善意の量が悪意の量に勝っている環境だと考える。それは決して十二分な資本がなくても実現出来るものだと思う。私は人の善の部分が悪の部分を凌駕し、これからも良い方向へ向かうことを期待している。また私自身も自身が出来ることを最大限に行い、与えられた一部としての役割を全うしたいと思う。

« Paradigme de la transparence » Muneki Suzuki
「透明性のパラダイム」展  鈴木宗樹

Exposition du 5 juin au 28 juin 2014
(会期:2014年6月5日~6月28日)


…Tout ce travail vise à faire apparaître des ombres, comme en contrepoint sur un châssis qui se tenant a quelques distance de la plaque et derrière elle, un châssis vierge et entièrement blanc où vont se produire toutes les magies de ces œuvres étonnantes. Chaque œuvre est donc double. Il y a au premier plan la plaque de plexiglass qui supporte l’œuvre et au second plan, deux ou trois centimètres de vide après lesquels il y a le châssis, qui a une fonction déterminante, puisque c’est sur ce plan- là que se place les jeux d’ombre, et de lumière dans les parties sablées et non sablées où se joue l’essentiel . Suzuki est un véritable japonais. Il a compris l’importance de l’ombre au Japon. Dans les maisons japonaises, il a compris les raffinements de la lumière douce sur les choses du monde quotidien. On pourrait dire que ce sont des « stratifications » d’ombres. Le beau n’est pas une substance en soi, mais rien qu’un dessin d’ombres, qu’un jeu de clair-obscur produit par la juxtaposition de substances diverses comme le dit Tanizaki .Les japonais apprécient les effets de la patine. Dans les jardins, ils ménagent des bosquets ombreux. Ils aiment l’opacité des cristaux de roche, les surfaces semi-translucides qui absorbent la lumière du soleil, et renferment une clarté indécise, comme un songe.

L’extrait de « Jeux d’ombres »
Fernand FOURNIER, Mai 2014,Paris

・・・・鈴木は正真正銘の日本人である。日本における影の重要性を理解している。日常の世界の中に現れる柔らかな光の洗練性をわかっている。それは影の階層化と言ってよいだろう。大切な事は物質そのものではなく、その影によるものであり、谷崎が言うように、さまざまな物質の並置によって明暗が生み出す効果にあるのだ。日本人は古色の作用を好み、庭では日陰の多い草木を大切に扱う。そして水晶の暗さを愛するのは半透明な表面が太陽の光を吸収し、ぼんやりと夢想したように光を閉じ込めているからだ。

美術評論家、哲学者
フェルナンド・フーニエ「影の戯れ」抜粋

« Le Métal et le Sculpteur » Andrea Lomanzo
「彫刻家と金属」展 アンドレア ロマンゾ

Exposition du 4 avril au 29 mai 2014
(会期:2014年4月4日~5月29日)

Il ’y a dans le travail de Lomanzo une sorte d’ivresse dionysiaque. On pense à un expressionnisme abstrait qui, dans un élan spontané et joyeux, se serait libéré des dernières conventions encore attachées à l’art. En ce sens, c’est, peut-être, du peintre Jackson Pollock que Lomanzo se rapproche le plus. Mais alors que l’artiste américain avait borné son champ d’action, pour l’essentiel, à la surface plane d’un support, bridant ainsi une recherche évidente de la profondeur, Lomanzo sculpteur ignore cette limitation. En apportant la troisième dimension, et sans rien renier des conquêtes de l’expressionnisme abstrait, il ouvre à celui-ci de nouveaux territoires. De là ce rapport passionnel à l’espace, qu’il a d’ailleurs en commun avec le sculpteur Richard Serra. Il s’agit de s’emparer de l’espace, de le mesurer par l’amplitude du geste, réel ou virtuel, de l’occuper, comme s’il fallait en finir avec son étrangeté….

Fernand Fournier, Avril 2008

アンドレア・ロマンゾの仕事にはディオニソス的な陶酔がある。一般には難解な表現主義と思われるけれども、率直で、陽気なほとばしりがあり、まだアートにこだわる最後の慣習からは解放されるだろう。その意味で、おそらく、ロマンゾにより似ているのは画家、ジャクソンポロックである。しかし、アメリカ人の作家は大部分において平面という限られた面における活動であったのに対し、彫刻家ロマンゾはこの境界というものを知らない。三次元を与えることで抽象的な表現主義の獲得を一切否定することなく新境地を開いている。この空間に対する情熱は彫刻家リチャードセラとも共通する。空間を占領し、現実、非現実にかかわらず行為の幅と異質さを持って空間を完成させるのだ。

美術評論家、哲学者フェルナンド・フーニエ


« Au-delà des abstraction » HIROSHI HARADA
原田宏 個展

Exposition du 6 mars au 29 mars 2014
(会期:2014年3月6日~3月 29日)


Il y a eu au cours du siècle dernier, mille formes d’abstraction. Dans un tel contexte, Hiroshi Harada a choisi d’adopter une démarche singulière, qui ne peut être rattachée à aucune mouvement, à nulle tendance de notre temps.
A première vue, il semble plonger ses racines dans l’art abstrait géométrique. Cependant, se limiter à cela serait hâtif et superficiel. Il y a chez lui une spontanéité, contrôlée sans doute, mais toujours présente et vibrante.
Ensuite, aucun de ses tableaux ne s’attache à une architecture sévère. Et même quand il a eu recours à des éléments issus de la géométrie, il s’est ingénié à introduire une dose de jeu et une dose de sentimentalité.
Inclassable ? C’est évidant. Mais cela n’est pas la conséquence d’une posture. Hiroshi Harada a conduit jusqu’au point où il va nous surprendre, sans le plus infirme coup d’éclat.
Gerard-Georges LEMAIRE écrivain critique d’arts

21世紀における芸術、特に抽象絵画運動の中には多くの流派が現れました。幾何学、同時性抽象、キネチクアート、冷たい抽象、熱い抽象、叙情派、アンフォルメル、点描、表現主義、ミニマリスト、数えきれないほどです。戦後にはエコールドパリ、エコールドニューヨーク、南米のマディグループ、イタリア、ミラノを中心としたルチオ・フォンタナ率いる空間派が活躍しました。その後、活力気力を喪失したかに見えましたが、絶えることなく進展しました。その様な抽象美術運動の歴史の中で原田宏は常に独自の路線をとってきました。自己の創造を続行している事は明白な事実と思います。彼の描く線、面の構成は伝統的な冷たいものではなく、有機性を持ち、自由な世界があり、また多くの空間を利用した動きには他に見られない独自性を十分感じることができます。

Paradoxa
グループ展“パラドックス”

Exposition du 9 au 31 janvier 2014
(会期:2014年1月9日~1月31日)


Avec : Dana Cojbuc, Vincent Corpet, Julie Dalmon, Cécilia Jauniau, Thomas Lévy-Lasne, Marc Molk, Julie Navarro, Jérôme Rappanello, Sarah Roshem, David Schaffer, Alberto Sorbelli, Ilona Tikivicki.

Paradoxa : l’exposition accoste les rives du paradoxe et évolue au-delà de la doxa. L’opinion est bien souvent faite de préjugés, dépasser la doxa, c’est entrer dans des territoires incertains, double, c’est un peu le revers de la logique, du bien et du mal, du noir et du blanc, on aborde le gris, mais c’est un gris qui se détache sur un fond coloré. La logique est empoisonnante, il faut séparer le grain de l’ivraie, choisir entre le bon et le méchant, l’homme ou la femme, la jeunesse ou la vieillesse, mais quand passe t’on dans la vieillesse ? Il faut aussi du temps pour devenir jeune.

Les artistes invités pour cette exposition n’ont pas de point commun : ils ont des pratiques variées sur des thèmes diverses, ont des niveaux de reconnaissances différents, n’ont pas le même âge, ne sont pas originaires du même pays et abordent la question artistique suivant des points de vue parfois diamétralement opposés, c’est ce qui les réuni dans cette exposition.

Paradoxa est contre la métonymie, les associations, la filiation logique, tout contre. C’est l’eau avec le feu, la violence du calme, car c’est dans la variété qu’on se reproduit et par l’imprévu que nait la rencontre avec une œuvre, et plus, si mésentente.

LQ.

EXPOSITIONS 2013

Rajendra Dhawan
ラジャンドラ・ダワン展

Exposition du 5 au 28 Décembre 2013
(会期:2013年12月5日~12月28日)


La beauté du silence
Selon Mallarmé, le silence se manifeste sous forme de page blanche ...
Rajendra Dhawan (1936-2012) n'a pas cherché à capturer l'apparence extérieure d'un sujet, mais principalement son essence intérieure— énergie, force, esprit. Ce que le langage oral ne peut dire, tel est le sujet de sa peinture : l’ombre de la langue naturelle. Pour sa réalisation l'artiste a employé toutes les nuances du bleu sombre au brun ou presque noir, le marron foncé ou le rouge laqué et le blanc argile.Sa palette est composée de couleurs à la fois douces, sombres et calmes. Les toiles de Dhawan fusionnent les limites entre l'espace tangible et spirituel.
Les terres d'opacité vague, les coups délicats de pinceau et les tons truculents donnent un sens irréel du terrain en traduisant matérialité de la peinture dans les champs éphémères. Elles évoquent la contemplation. L'artiste a dit, " Mes peintures n'ont ni objet, ni espace, ni temps, ni forme. Elles sont claires et fusionnent en détruisant la forme."
Rajendra Dhawan est né en Inde. De 1953-1958, il a étudié à l'Ecole de beaux-arts de Delhi, en Inde. Puis de 1964- 1966 à Belgrade. Il a participé à plusieurs expositions nationales et internationales . Son travail est représenté dans plusieurs collections en Inde et en France dont la Galerie Nationale d'Art Moderne, New Delhi, Lalit Kala Akademi, New Delhi, Musée Bharat Bhavan Bhopal, et au Fonds Nationale de l'Art Contemporain, Paris. Il a vécu et a travaillé à Paris depuis 1970. Il était le fondateur du groupe "Unknown"
Debesh Goswami

ラジャンドラ・ダワンは1936年、インドに生まれた。1953年から1958年はデリー、1964年から1966年はベオグラードの美術学校で学ぶ。インド国内、海外の多数の展覧会に参加した。1970年からはパリに居を構えて制作した。「Unknown」の創始者である。2012年逝去。インド、フランスの多数の美術館、基金に作品が所蔵されている。

「沈黙の美」
マラルメによれば沈黙は白紙の姿に表明される。
ダワンは絵の主題を、主体の外見に探したのではなく、何よりも言葉には表せないその内面、言葉の影(活力、気力、心)に探求した。
彼は制作にあたり、紺青、茶褐色、黒茶、緋色、白練り色の濃淡を使用した。パレットはときには優しく、暗く、静かな色が組み合わされた。ダワンのキャンバスは明白さと精神性の間の境界を融合する。……
デベッシュ ゴスワニ

Exposition "Noir absolu"
présenté par Gérard-Georges Lermaire
展覧会“完全な黒”
ジェラール=ジョルジュ・ルメール キュレーションによる展覧会

Du 31 octobre au 30 novembre 2013
(会期:2013年10月31日~11月30日)
Vernissage le 31 octobre à 18 h 30
(ヴェルニサージュ:10月31日 18:30~)


Lectures de :Max Guedj, Esther Segal & Gérard-Georges Lemaire

le 21 novembre à 18 heures 30, lecture de Patricia Reznikov (La Transcendante, Albin Michel) présentation du film de Silva Beju

Prémisses
Tout a commencé par la publication de mon livre, Le Noir, chez Hazan en 2006. Il a obtenu alors le prix Henry Montherlant – Institut de France.
Trois ans plus tard, j’ai organisé une grande exposition au museo José-Luis Cuevas de Mexico, qui a été baptisée Lecciones di teneblas. En 2011, cette exposition, remodelée et rebaptisée Le Noir absolu, a été redéployée à la Villa Tamaris de La Seyne-sur-Mer, avec un livre-catalogue, puis au CAC Raymond Farbos Mont-de-Marsan et enfin au CAC Eugène Beaudouin d’Antony.

La présente exposition
C’est la première fois que Le Noir absolu est présenté dans une galerie. La plupart des artistes participants qui ont été invités au cours de cette itinérance y sont présents, ainsi que quelques nouveau venus.
La plupart des œuvres sont réalisées pour cette manifestation.
Il s’agit d’une méditation collective sur l’usage du noir dans la peinture, la sculpture, les installations et le film d’artiste, au plus précisément des noirs dans leurs relations complexes entre eux et avec les autres couleurs.
Cette nouvelle manifestation rassemble des créateurs de différentes générations et aussi de diverses orientations, les uns étant figuratifs, les autres abstraits, les autres encore conceptuels. Il s’agit donc d’une libre confrontation d’expériences autour de cette question qui a agité les arts depuis la renaissance et a pris une autre dimension, plus radicale, avec l’apparition de l’art moderne.

前提
すべては私の「ル ノワール」(2006年アザン社刊)という本の出版から始まりました。その本は、フランス学士院の、セルクル モンテルラン賞を受賞しました。
3年後、私はメキシコの、ホセ=ルイス・クエヴァス美術館で、闇のレッスン(Lecciones di teneblas)というタイトルでの大展覧会を企画しました。
2011年には、タイトルを完全な黒(Le Noir Absolu)と変更し多少内容を変えてセイヌ=シュール=メールの ヴィラ タマリ での展覧会(展覧会カタログ刊行)、さらに、モン ド マルサン市のレイモン・ファルボ アートセンター、アントニー市のウージェンヌ・ボードワン アートセンターで展覧会を開きました。

今回の展覧会
今回は、初めて画廊で、完全な黒(Le Noir Absolu)展が開かれます。今までの展覧会にすでに関わったほとんどの作家が参加します。さらに今回、新たに加わった数人もいます。ほとんどの出品作品はこの一連の展覧会のために制作されたものです。黒を主題とする集団瞑想であり、絵画、彫刻、インスタレーション、美術家による映画という多様な関係、異なる色の間における黒といえます。
今回のイベントは、世代も、方向性も異なる作家、たとえば、具象、抽象、コンセプチュアルなどのさまざまな作風を集めた物です。ルネセンス時代からの多くの芸術の領域を揺るがしてきたこの「黒」に対する問題は、近代美術の出現とともにさらに広がりをみせ、より根源的な問題となり、そこで起きてきたもの同士の自由な対決(libre confrontation)を今回の展覧会で取りあげています。

Les artistes / 参加アーティスト
Arthur Aeschbacher, Albert Bitran, Enric Ansesa, Santiago Arranz, Massimo Arrighi, Silva Beju, Sergio Birga, Hans Bouman, Esther Segal, Gianni Burattoni, Olivier de Champris, Eric Collette, Jean Degottex, Nathalie du Pasquier, Luce Delhove, Frank Delorieux, Piermario Doigatti, Bernadette Février, Michel Gérard, Hiroshi Harada, Robert Groborne, Claude Jeanmart, Denise Jeanmart, Laurie Karp, Jean-Noël Laszlò, Benjamin Lévesque, Umberto Mariani, Remi Matsukua, Yvon Mutrel, Nanna, Jean-Charles Quillin, Colette Raynaud, Vladimir Skoda, Beatriz Zamora, Claude& Denise Jeanmant

De là myung-ok Han
De là 展 ハン ミョンオク(韓 明玉)

Exposition du 1 octbre au 12 octobre 2013
(会期:10月1日~10月12日)
Vernissage le samedi 5 octobre 18h30
(ヴェルニサージュ:10月5日)

myung-ok HAN
de là

Au cours de sa carrière artistique, myung-ok HAN n’a cessé de démontrer comment les matériaux ‘pauvres’ de notre vie quotidienne peuvent être transmutés, à travers un geste élémentaire et répétitif, en œuvres chargées d’énergie s’ouvrant au temps et à l’espace ; les grains de riz alignés en rangs serrés longs de plus de 12 m à l'image d'un rempart en miniature ( Muraille de riz, 2005) ; 380 petits sacs plastiques remplis d'eau suspendus à l'aide de longs fils cloués sur le mur (Aquarium, 1990) ; des ustensiles de cuisine (cuillères, plats, bols, pots etc. ) garnis de fil de coton, enroulé en suivant la forme circulaire du récipient… Dans tous les cas, ses œuvres résultent d’un geste répétitif qui parvient à rendre une certaine épaisseur et splendeur du temps.
Sa nouvelle série de là (2013), des installations tricotées en fil de laine, nous révèle encore une fois l’univers étonnant et singulier de myung-ok HAN. Le fil (de coton, de laine ou de soie) étant son matériau favori, l'artiste a largement exploré les pratiques possibles à partir d’un fil (suspendre, lier, attacher, poser, coudre). Le tricot est finalement une des variantes de sa pratique artistique à partir d’un fil et est visible dès les années quatre-vingt-dix. D’ailleurs, certaines œuvres (Sans titre 1998, Sans titre 2012) ont été exposées en 2012 dans une exposition intitulée « Les 10 ans de la galerie Jean Brolly » à la Bastille Design Center et témoignent de l’acte - jusqu’à présent-préféré de l’artiste dans son travail avec le tricot à savoir l’acte d’envelopper des pierres avec un tricot rouge ou noir, comme si le tricot doux et chaud cherchait à protéger les pierres dures et froides.
Sa nouvelle série de là manifeste un autre aspect. Parfois accrochées verticalement sur le mur ou posées horizontalement sur un socle, les œuvres ont une forme plutôt longiligne et évoquent - certainement par leur couleur rosâtre nuancée et par leur forme organique - quelque chose de l’intérieur de notre corps, des organes. Les sous-titres proposés (cœur ou placenta) soutiennent réellement cette impression, sans pourtant montrer une concordance formelle importante. Peu importe la ressemblance. La matière qui dégage une pulsation et palpitation est en train de naître. Une fois près de l’œuvre, nous découvrons sur le corps tout entier des tricots les froides aiguilles enfoncées. Entourées de fils rouges courts, elles créent une texture qui paraît fourmiller entre les mailles suscitant l’image d’un réseau capillaire. La rencontre d’un support mou (supposé chaud et doux) et d’innombrables aiguilles (froides et aigües) engendre dans l’œuvre une forte tension. Comme le dit fort justement l’artiste, les aiguilles sont en train d’être chargées par leur batterie…
Malgré son originalité et sa nouveauté formelle, cette série s’inscrit parfaitement dans la démarche générale de myung-ok HAN, ceci avec une grande cohérence. Elle frôle, de nouveau, la question, omniprésente dans son travail, de l’engendrement ou de la source de notre vie.
Par exemple, le petit vide central laissé par l’enroulement du fil dans un pot (Fil posé, 1995), n’est-il pas ouvert comme s’il nous invitait à nous jeter dans l’abîme béant d’un trou noir cosmique? De même, les fils de coton qui enroulent le corps des pavés (Pavés, 1993-2012) ne déploient-ils pas cette force originelle organique avec ses mouvements giratoires et rayonnants? Ses dessins composés de multiples traits hachurés, manifestent, par excellence, la concentration et l’expansion de ces mouvements frémissants, créant les effets de moirure qu’on retrouve parfois dans ses installations de fil de coton dans des récipients. Un certain rythme originel et archaïque émane des œuvres de myung-ok HAN. Sa nouvelle série de là révèle également la préoccupation de l’artiste sur l’origine des choses. Cela doit être une partie liée à son souhait fondamental qui désire « toucher le fond des choses ».
En réalisant la série de là, l’artiste n’arrêtait pas de défaire et refaire le tricot. Dès l’aube, elle tricote des heures et des heures des mois durant mais n’est pas forcément pressée de finir. myung-ok HAN n’est-elle pas en vérité attirée par l’infinité virtuelle même de l’acte de tricoter ou par la possibilité de la continuité de la réalisation ? Même après avoir rempli un grand pot avec le fil de coton, l’artiste pose à côté une pelote encore reliée au fil de l’intérieur. De même, Sans titre 2012, une installation de tricot exposée l’année dernière laisse tomber ses longs bouts au sol faisant voir la trace de tricot défait.
myung-ok HAN est souvent considérée comme un artiste du temps, ce dernier étant visualisé avec éloquence à travers la répétition ou l’accumulation du geste. Mais en réalité, pour l’artiste, la répétition dans le temps n’a de sens que quand elle peut entrer dans un état « hors du temps, ou à ne plus penser au temps ». La temporalité n’est que le résultat visuel, la trace de son geste. La question est de faire durer, d'être dans une dimension qu’elle ne peut que traverser après une telle concentration et répétition à la lisière du rituel. C’est pourquoi chez myung-ok HAN l’œuvre, c’est le processus lui-même. C’est pourquoi l’artiste vit l’œuvre même en défaisant sans arrêts le tricot.
Si un pot de terre cuite, son autre matériau préféré, est un lieu où, dans le pays de l’artiste (Corée du Sud), se passent la fermentation et la conservation de la nourriture, ce pot qui peut être vu comme simple pot de plante aux yeux des occidentaux, est également un lieu de germination, de croissance et de transformation. Dans tous les cas, la durée et la transformation sont présupposées. Il en est de même de sa nouvelle série. de là (Placenta)… est bien un lieu où la vie se prépare, palpite et se transforme.

ハン ミョンオク (韓 明玉)
韓国出身、在仏27年の女性アーティスト。
de là 「そこから」という展覧会は、「そこからはじめる」「そこからはじまる」「そこから終わる」「そこから流れ出す」「そこから嫌う」などという、さまざまな意味に取れる「そこから」という表現からはじまる作品の構成でできています。
今回の展覧会は、デッサンとインスタレーション作品からなります。
インスタレーションは毛糸で編んだ物と針といった、温かく柔らかい材質と無機質なものとの組み合わせでできています。編み物として作られたものは、内臓を意味する物であり、それの対比として無機質の素材が選ばれて使われています。
針を毛糸の編み物に刺すという事は、生きる力はどこから来るのか?疲労しきった時に、どこでどのようにその力を癒し補充できるのだろうか?といった事に対する作者の個人的な問いから作られてきた部分です。
韓 明玉の作品は、制作の手作業にたくさんの時間を必要とします。作品を見る事は、その時間を見ることにもなります。その意味で、彼女の作品は、観者が結果としてのパフォーマンスを見るという事になります。


EXPOSITION Sun Young MIN
« L'heure de l'ombre »
展覧会 サンヨン・ミン

Exposition du 3 septembre au 28 septembre 2013
(会期:9月3日~9月28日)
Le jeudi 5 septembre 2013 de 18h30 à 21h30 
(ヴェルニサージュ 9月5日 18:30~21:30)

Mot de l'artiste:
Mon inspiration se cache dans l'obscurité de la nuit. Quand vient l'aube, elle disparaît. Mais elle reste toujours au fond de moi. Ma peinture raconte ce moment d'obscurité. C'est "l'heure de l'ombre".

Artist note:
My inspiration lies in the darkness of the night. It dies when dawn comes. But it is still in my heart. My painting is about this moment of darkness. It is "darkness time".

作家の言葉:
私のひらめきは夜の闇にひそんでいる。
夜明けがくると消えてしまうが、
心の中にとどまっている。
それは暗闇の時間。
私の絵は暗がりの時を物語る。


EXPOSITION « invisible 1 »

Exposition du 3 aout au 28 aout 2013
(会期:2013年8月3日~8月28日)

Artistes Exposants / 出展アーティスト
Jean-Baptiste Bruant & Maria Spangaro, Florence Desseigne, Haruki Ishigaki, Régis Pinault, Nathalie Rao, Gin Satoh, Go Segawa, Muneki Suzuki, etc.

L'exposition "Invisible 1" n'est pas le simple résultat de la réunion d'un ensemble d'œuvres choisies par tel ou tel organisateur, dans le but de les exposer telles des choses assemblées pour être montrées.
Non, le concepteur de cette exposition, se voulant au plus près de certains artistes, a recueilli leur pensée dans son mouvement, et de leurs œuvres il a recueilli le mouvement dans l'instant de leur création. C'est là ce qui fait l'intention de cette "exposition".
Il ne s'agit pas d'œuvres qui traitent de l'invisibilité, mais d'un mouvement sensible qui est passage à la création, c'est-à-dire de ce qui "porte à la visibilité".
Cela dit, au moment d'ouvrir cette exposition, l'intention est de montrer cette situation même, l'accès à la "visibilité".
Pour l'organisateur et les artistes eux-mêmes, un des points importants est cette intention ainsi que le degré de liberté qui leur a été laissé pour concevoir ce thème.

Alors, que verra le public ? Ou bien, que ne verra-t-il pas ?

Demandons-nous si une exposition est précisément un "quelque chose à voir".

Au moment où j'écris ces lignes, on ne m'a encore rien montré.

JN

この展覧会は、キュレーターが決めた作品を集めて展示するという物ではなく、アーティスト側に、新たに思考してもらったり、制作してもらう機会となり得る 様な形での展覧会です。傾向の異なる美術作家を選ぶ事で「見えない」というその部分は、単に「見えない」に関する作品があると言うだけでなく、展覧会が開かれるまで、全体が「見 えない」という状況をできるだけ意図的に作っているものです。
今日では、展覧会は、美術作家よりもキュレーターの方が考えを表明してしまう場になってしまっているわけですが、この展覧会では、美術作家側に自由度をできる限り大きく与える事に重点を置いています。
観客は、どうやって見るのか、あるいは何が見えないのかを探し(考え)ながら見る事が必要な展覧会となると思われます。(これを書いている今、まだキュレーターの私にも見えてこないのです)
JN


l'exposition "Bleu (dans son coeur...)"
展覧会「ブルー(心の中の青)」

L'exposition du 3 au 31 juillet (会期:7月3日~31日水曜)

La réalité, dans laquelle le sort nous a jetés, français ou nippons, n’est que fragments, détails et débris. L’artiste, comme le poète, ne fait rien d’autre (ou de plus) que de les « mettre en œuvre »…
Le 28 avril 2012 à la Galerie Grand E’terna, la présentation-performance de Bios a été une conjonction destinale… Bien sûr, tout ceci a eu lieu comme secrètement: à contrecourant de l’actualité qui veut du très-public, du très-bruyant, de l’obscène… Et les Boites d’Akané, justement, ne sont-elles pas là, sous nos yeux, pour magnifier et protéger les « détails, fragments et débris » devenus si précieux par son art?
Jean-Clarence Lambert, octobre 2012-

...Entre-temps, j’ai découvert que l’être maléfique qui a tenté Adam et Ève n’a pas tout à fait le même statut au Japon. Les japonais le vénéraient depuis l’antiquité. Dans une chorographie du 8ème siècle ‘‘Hitachi no Kuni Fudoki’’, le serpent est même appelé ‘‘le dieu du sabre de la nuit’’. Les anciens voyaient l’esprit sacré en beaucoup d’animaux, le serpent fut considéré comme une force vitale. Une force qui nourrit une vie comme le sang, le lait, l’air ou l’eau. Les gens comparaient peut-être le cours d’eau inépuisable ou le tourbillon d’un fleuve au serpent.
Kyoko DUFAUX

...Après avoir habité longtemps en Espagne et vient au premier rang d'art du carreau, Ayako Funato a déterminé retourner au Japon et plus loin la pousser dessin du travail très original sur ses compétences céramiques, en combinant des saveurs espagnoles avec les traditions japonaises, la réaction chimique de quels résultats dans résultats inimaginables de couleur et modèle.
TOKYO ART BEAT

「今回発表するBIOS(ビオス)シリーズはギリシア語で生命、私の作品では生命の起源の意で使っており2011年 に詩人で評論家のジャン=クラランス ランベール氏と詩画集を創った時に氏がタイトルにつけてくださったものです。この中には私の長年のテーマとなってい る,記憶、言葉への思いも含まれより広がりが生まれたと感じています。」
桐村 茜

「…そこでヘビについて調べてみたところ、ヨーロッパではアダムとイブをそそのかした存在として嫌われる存在であるが、日本では違うようだ。信仰の対象と して崇められて来たのである。「常陸風土記」では蛇を「やとの神」と読んでいる。古代人は多くの動物に神と呼ぶべき性質を認めていたらしい。古語ではヘビ を「チ」「ミ」と呼び、チは血、乳、気、水などと同じく生命力のあるもの、生命を育てる力をもつものとみたてられた。途切れることなく流れる川の水の流れ や渦をヘビにみたてたのかもしれない。」
デュフォ 恭子

「内側に潜む色・・・・・
例えば
真っ黒い容姿からは想像もできない極彩色をした中味
真白い美しい外観からは想像もできない薄暗い内部
とげとげでイガイガで近寄りがたい物体の中味は驚くほど綺麗だったり、
そんな”ソト”と”ウチ”との違い
パッと見では判断できないものがこの世にはたくさんある」
船戸あやこ


EXPOSITION: “Nathalie Tacheau”
展覧会「ナタリー・タショー」

L'exposition du 21 au 29 juin 2013 (会期:6月21日~29日)

Sous l’influence d’associations d’idées, je reconstruis des êtres hommes, femmes, animaux, enfants. Je les rapproche, les superpose, les déforme jusqu'à ce que cet assemblage tienne comme le début d’une histoire, d’une fiction, le point d’ancrage d’un récit qui m’échappera par le regard de l’autre. Nathalie Tacheau

以下、作家紹介文抜粋
《人間の体を表現することは私のアーティストとしての仕事において中心をなす。
それは同時に“ベクトルであり、モチーフであり、テーマでもある”。
様々なアイデアの取り合わせの影響下で、男、女、動物そして子供を再築する。
内奥の構築によって明るみに出た、啓示された生の交わりの中で、私は体という ものを叙述の場として皆に表現したいのである。
描いたり、切ったり、コラージュしたりといった作業の中で、私はわたし自身の “この世の尺度”と交点を見つけたいと考えている。
今日、他人と、もしくは/そして、自身との関係において、すぐに消え去ってしまうけれども根本である境界で、自分自身を見えるものとして実感して いる。》


EXPOSITION : « Petite Anthologie de sacs et sacs à main » « Vide-grenier »
個展「小さなバッグのアンソロジー/ガラクタ市場」

Exposition du 4 mai au 1er juin 2013(会期:5月4日~6月1日)
Vernissage le vendredi 3 mai 2013 à 18h30
(ヴェルニサージュ:5月3日)

2004年には日本各地でも展覧会を開催し、大きな反響を呼んだ、「ミス・ルクロック」がギャラリー・グランエターナにて新たな企画展を行います。
音楽演奏家とのコラボレーションにより、世界中から注目を集める「小さなバッグのアンソロジー」の制作パフォーマンスも、開催が決定いたしました。
美術、ファッション、パフォーマンスの各界から注目を集めるミス・ルクロックの最新企画をどうぞお楽しみください。


EXPOSITION : "FUZJKO HEMMING"
個展「フジコ・ヘミング」

Exposition du 3 au 27 avril 2013 (会期:4月3日~4月27日)
Vernissage le vendredi 5 avril 2013 18h30 - 22h30
(ヴェルニサージュ:4月5日金曜 18h30~22h30)

現在日本で最も支持されているクラシックピアニストの一人であるフジコ・ヘミ ング氏は、 日本人とロシア系スウェーデン人との間に生まれました。
画家であった父親の才能を受け継いでか、彼女自身もピアニストでありながら、画家でもあります。
日本と欧州、両文化が生み出した「フジコ・ヘミング」という才能に画家という面からもスポットをあて、音楽、絵画の枠にとらわれない彼女の芸術活動に触れることのできる展覧会です。

協賛:フランス・ニュース・ダイジェスト紙 アトリエSKH
後援:ヤマハ・ミュージック・ヨーロッパ


EXPOSITION : "T.L.MANN"
個展「T.L.MANN」

Exposition du 4 au 30 mars 2013 (会期:3月4日~3月30日)
vernissage aura lieu le 7 mars 2013 18h30 – 22h30
(ヴェルニサージュ:3月7日 18h30~22h30)

「インターフェス絵画」と命名したT.L.MANN の絵画作品。
芸術の為だけにある芸術という現代によく見られる様な自己陶酔型の芸術コンセプトに対立して芸術に主題の重要性を復帰させようという試みです。
インターフェス絵画という見えない「橋」で、世界の宗教や哲学の基となっている思考/肉体、肉体/精神など古くからある二元性の問題を表現し、我々と世界がどう繋がって いるのかを考えさせてくれる作品の展覧会。


ABSTRACTION CONTEMPORAINE
グループ展「現代抽象芸術」

éxposition du 6 février au 2 mars 2013 (会期:2月6日~3月2日)
vernissage aura lieu le 7 février 2013 18h30 – 22h30
(ヴェルニサージュ:2月7日 18h30~22h30)

フランス国内のみならず、世界中から常に注目を集める現代美術サロン「レアリテ・ヌーベル」参加アーティスト達により、先行特別展覧会が行われます。呼吸し、脈打つ”現代抽象美術”を生きる作家たちのカタチに触れられる、特別な空間を是非体感して下さい。

Artistes:
f.ainaut
r.bensasson
j.besse
c.bezie
g.chausse
k.desailly
h.durdilly
h.harada
g.hotter
h.jacqz
t.lardeur
i. de gouyon
r.matsukura
p.moryusef
r.orepuk
satoru
m.suzuki
j.trolliet
p.vanonna


EXPOSITIONS 2012

二人展 -ハンガリー彫刻・絵画-
EÖRY EMIL,Tamas BARAZ

会期:12月10日~2月1日
ヴェルニサージュ:12月10日 18:30~

ハンガリーの彫刻家二人による展覧会。エウリーは抽象画家でもあります。タマーシュ・バラーズは、前ハンガリー彫刻家協会会長を務められました。バラーズ氏は、12月13日からルーヴル美術館カルーゼルホールで開催されるSNBA(仏国立美術協会)展覧会にも、弊展覧会作品から2点出品いたします。


L'arbre Iris
Sun Young MIN
サンヨン・ミン『 L'arbre Iris 』

会期:11月8日~12月6日
ヴェルニサージュ:11月15日 18:30~

※11月8日を予定しておりましたが、都合により変更となりました
Le vernissage de l'exposition « L'arbre Iris » par Sun Young MIN, aura lieu le jeudi 15 novembre à partir de 18h00 à la galerie Grand Éterna 3, rue de Miromesnil Paris 8ème.


Esposition "Danse de Non-Lieu"
UTSUMIYA ISAO
宇津宮功展『非・場の舞い』

Du 4 au 26 oct 2012 (会期:10月4日~10月26日)
Vernissage le jeudi 4 oct. 18h30
(ヴェルニサージュ:10月4日 18:30~)

UTSUMIYA ISAO
Ne' en 1945 Japon.
En France ,il peint les personnages de'forme'es depuis 1967 sur theme [Danse de Non-Lieu].

宇津宮 功
1945年日本生まれ。1967年からフランスに在住し、ヨーロッパを中心に制作活動を行なう。現在舞態をテーマに据え「非・場の舞い」シリーズを続行中。
「今後も制作の主体は常に人だと思う。肉体が重さを持つということは確かな主題をその体内に抱え持つと言う証しのように見えミクロコスモスとしての人間の構造に組み込まれている内発的自己破壊エネルギーに焦点を絞って、その様態を記録する。」
宇津宮


Deux Paris
Sun Young MIN, Sunho PARK
ミン・サンヨン パーク・スンホー 『二つのパリ』

Du 16 juillet au 29 septembre (会期:7月16日~9月29日)


les papillon de Carpentras
Kristian Desailly
クリスチャン・デサイ 『カルパントラスの蝶々』

Du 28 juin au 14 juillet (会期:6月28日~7月14日)
Vernissage vernissage aura lieu le jeudi 28 juin a 18h30
(ヴェルニサージュ:6月28日 18:30~)


GENEVIÈVE BOSCHEL
RÉSONANCE & UNIVERS

Du 15 au 26 juin (会期:6月15日~6月26日)
Vernissage aura lieu le vendredi 15 juin 2012 de 18h30 à 22h30
(ヴェルニサージュ:6月15日 18:30~)


SACHIDA NAGDEV

Du 23 mai au 2 juin (会期:5月23日~6月2日)
Vernissage aura lieu le mercredi 23 mai à 18h00
(ヴェルニサージュ:5月23日 18:00~)

23 Mai, à 19h30 Soirée Indienne, concert avec
SMITA NAGDEV(Sitar) et Anuvab Chatteriee(Tabla)
5月23日19時30分より、シタール奏者とタブラ奏者を迎え
インド音楽の夕べを開催しました。


★音楽会の様子★

Dina Draeger –Beautiful D.D.-

Du jeudi 3 mai au samedi 19 mai (会期:5月3日~19日)
Vernissage aura lieu le jeudi 3 mai 18h30
(ヴェルニサージュ:5月3日 18:30~)


L'Inde – Attraction universelle
インド作家共同展

Du 5 au 27 Avril (会期:4月5日~27日)
Vernissage aura lieu le Vendredi 6 Avril 18h30
(ヴェルニサージュ:4月6日 18:30~)

★Click★


L’exposition WU HAO

Du 8 au 29 Mars
(会期:3月8日~25日)
Vernissage le jeudi 15 Mars 18h30~22h
(ヴェルニサージュ:3月15日 18:30~22:00)

パリでその活動が大変注目されている氏の水墨画の画歴のなかで、中国の屋並みや風景を描いた典型的なもののほか、北欧や東欧への旅のなかで描かれた独自で、現代的な作風のものも多く展示されます。現代水墨画の新しい展開をぜひご覧ください。

Hao WU
né en 1983, a Tianjin.
Diplomé de l'Insititut central des Beaux-Arts de Pékin en 2006,
département de la peinture chinoise.
Depuis 2008, en Master a l'Université de Paris 8.

Exhibitions :
2011, *Mad in China*, avec Tendance Floue, Les rencontres d'Arles photographie, Arles.
2011, *Lavis contemporains chinois *en pays de la loire, Angers.
2010, *Hello! Shanshui! , *Centre culturel de Corée du sud, Pékin.
2009, *Les Lavis Chinois Contemporains* , Institut Confucius des pays de la Loire d'Angers.
2006, *Graduation Exhibition*, Institut central des beaux-arts de Pékin.

Prize & Publication:
Academy second prize in 2004
Excellent leader 2003/2004


INTERIEURS & BARBES
DIMITORI TORSTOÏ

Du au 8 au 25 février (会期:2月8日~25日)
Vernissage le jeudi 9 février 18h30~22h
(ヴェルニサージュ:2月9日 18:30~22:00)

Au sujet de DIMITORI TORSTOÏ
(DIMITORI TORSTOÏ について)


★Click★


EXPOSITIONS 2011

Exposition de groupe "Mougoughwa et Sakura":
Exposition de charité envers les victimes du Japon
チャリティー・グループ展

Du 1er au 24 Décembre (会期:12月1日~24日)
Vernissage le 1er Décembre à partir de 18h30
(ヴェルニサージュ:12月1日 18:30~)


Exposition Nouvelles Tendances :
Photographies / 写真展 ◆グループ展◆

Du 3 au 26 Novembre
(会期:11月3日~26日)
Vernissage le 3 novembre à partir de 18h30
(ヴェルニサージュ:11月3日 18:30~)

Artistes:
Celine Barrère
Véronique Chanteau
Laurent De Gaulle
Ayana Harada
Takaaki Nagashima
Maroussia Podkosova
Thierry Valencin


Exsition Kyoto:
Fusayoshi Kai / Ako et Nagatoshi Uzuki
甲斐扶佐義 / 卯月永年・阿子

Du 13 au 27 Octobre
(会期:10月13日~27日)
Nocturne Art Miromesnil le 13 octobre
(ヴェルニサージュ:10月13日)
http://www.art-miromesnil.com/


Exposition Yukiyo Koyama “Existence”
小山幸容作品展『Existence』

Du 22 au 28 septembre
(会期:9月22日~28日)

Home page(ホームページ):
http://www.hyougenha.ecweb.jp/

Blog(ブログ):
http://yukiyo222.exblog.jp/

Vidéo du vernissage (ヴェルニサージュの動画):
http://www.youtube.com/watch?v=TH7Ej4dhMFs


xposition SUN YOUNG MIN
et photos des régions touchées au Japon
震災復興支援記録写真展

Du 1er au 27 août
(会期:8月1日~27日)


Exposition caritative en faveur
des victimes au Japon
Tatsubuchi Junichi - Okayama Chikako
震災復興支援チャリティ展覧会

Du 23 juin au 16 juillet
(会期:6月23日~7月16日)
Vernissage le 23 juin à partir de 18h30
(ヴェルニサージュ:6月23日 18:30~)

Le bénéfice des ventes des œuvres seront reversés aux associations de soutient aux victimes.
展覧会の収益は、実費経費を除いて全額、
被災地支援のため送金されます。


Christian Opris

Du 2 au 18 juin.
(会期:6月2日~18日)
Vernissage le 2 juin a partir de 18h30
(ヴェルニサージュ:6月2日 18:30~)


Ruedi Imbach

Du 16 au 29 mai.
(会期:5月16日~29日)
Vernissage le 20 mai a partir de 18h30
(ヴェルニサージュ:5月20日 18:30~)


"Exposition des corps"
◆グループ展◆

Du lundi 7 au 30 avril.
(会期:4月7日~30日)
Vernissage le jeudi 7 avril
(ヴェルニサージュ:4月7日)

Artistes:
Christian Peter
Cedric Galopin
Franger


"Objets et sculpture"
◆グループ展◆

Du 3 mars au 2 avril.
(会期:3月3日~4月2日)
Vernissage le jeudi 3 mars
(ヴェルニサージュ:3月3日)

Artistes:
H. Harada
Andrea Lomanzo
Katsuji Kishida
Kiyomi Yamaji


"Les artistes des Réalités Nouvelles"
Exposition de 25 artistes
◆25人のアーティストによるグループ展◆

Du 3 au 26 février.
(会期:2月3日~2月26日)
Vernissage le jeudi 3 février
(ヴェルニサージュ:2月3日)


"YOROI"『日本鎧展』
Exposition d'armures japonaises

Du lundi 24 au 30 janvier.
(会期:1月24日~1月30日)
Vernissage le mardi 25 de 18:30 a 21h30
(ヴェルニサージュ:25日)

鎧作家 卯月永年・阿子:平安以来の技術を伝える宗家鎧師 明珍宗恭氏に師事。鎧廼舎「うさぎ塾」主宰。
「都よろい」の制作。香よろい、飾り箱などの展示のほか、黒澤明(KUROSAWA)監督直筆資料、「七人の侍」制作風景写真、三十三間堂出土鎧学術復元展示。
受賞歴:
・京都府知事賞
(京都文化ベンチャーコンペティション文化ビジネスモデル部門)
・京都経済界賞
・近畿経済産業局長賞
後援・・・京都府


EXPOSITIONS 2010

SUN YOUNG MIN – Un jardin coréen
◆韓国の庭◆

Du 14 octobre au 8 janvier 2011
(会期:2010年10月14日~2011年1月8日)
Vernissage le 14 octobre(ヴェルニサージュ:10月14日)


HELENE BARBE – YUKIYO KOYAMA
◆コラボレーション展◆

Du 17 septembre au 9 octobre(会期:9月17日~10月9日)
Vernissage le 17 septembre(ヴェルニサージュ:9月17日)


MASAFUMI NOMOTO – PHOTOGRAPHIES
◆野本将文 - 写真◆

Du 7 au 31 juillet(会期:7月7日~7月31日)
Vernissage le 7 juillet(ヴェルニサージュ:7月7日)


PASSION DU CORPS
◆グループ展◆『パッション・デュ・コール』

Du 22 juin au 3 juillet(会期:6月22日~7月3日)
Vernissage le 22 juin(ヴェルニサージュ:6月22日)

Artistes:
Loic ALLEMAND
Desislava DENEVA
Michiyo HAKAMADA
Gerard LARTIGUE
Christine LASSARA
Takaaki NAGASHIMA
Tomoko OBER
Christian PETER
Valentin SAVTCHEKO
Sai HASHIZUME


EXPOSITION KYOTO, DERRIERE KYOTO
◆個展および共同展◆『京都—路地裏の京都展』

*第22回京都美術文化賞受賞記念海外巡回展
Exposition Fusayoshi KAI
Du jeudi 6 mai au samedi 19 juin (会期:5月6日~6月2日)
Vernissage le 6 mai (ヴェルニサージュ:5月6日)
Exposition collective F.KAI+E.GUIBERT 日仏交流展
Vernissage le 3 juin (ヴェルニサージュ:6月3日)
Du jeudi 3 juin au samedi 19 juin (会期:6月3日~6月19日)

Artistes:
Fusayoshi KAI
Emmanuel GUIBERT

Fusayoshi KAI, artiste photographe japonais, a remporté le prix «Kyoto Bijutsu Bunkasho» en septembre 2009. Il a également publié dernièrement un livre en collaboration avec Hidetaro SUGIMOTO intitulé «YUME NO NUKE GUCHI» (L’entrée secrète des rêves) aux éditions «Seisoshobo»

□Emmanuel GUIBERT, dessinateur et scenariste francais de bandes dessinees a succes, a ete en 2007laureat de la Villa Kujoyama. De cette recompense naitra l’album ≪Japonais≫, paru en decembre 2008.

甲斐 扶佐義:
フォトグラファー。2009 年6月、京都美術文化賞受賞。 2010年に青草書房より『夢の抜け口』を杉本秀太郎氏(芸術院会員・仏文学者)との共同で出版。

エマニュエル・ギベール:
漫画家。レジデントとして2007年5月から7月まで、京都にあるヴィラ九条山に滞在。2008年12月に複合メディアアート作品集『japonais』を出版。

主催・・・ Galerie Grand E'terna
甲斐扶佐義展実行委員会:平田吉男(在フランス日本国大使館)、金子明彦(在フランス日本国大使館)、アラン・ラメット(仏国家教育省)、石塚秀哉(ソムリエ、Le Petit Verdot)、亀山郁夫(東京外国語大学学長)、小川秀俊(在フランス日本国大使館)、コリーヌ・アトラン(作家・翻訳家)、クロード・ヴィティグリオ(ジャーナリスト、TV5Monde)、茂山逸平(大蔵流狂言師)、茂山あきら(大蔵流狂言師)、茂山童子(大蔵流狂言師)、ジャン・フィリップ・トゥーサン(作家)、シュヴァリエ・シルヴィ(文化コンサルタント)、島井佐枝(映像作家)、シルヴァン・カルドネル(龍谷大学)杉本秀太郎(仏文学者・芸術院会員 )、杉村昌昭(龍谷大学・評議員)、鈴木通真(順天堂大学)、ナディア・ポルキャール(作家)、グザビエ・ブリア(映像作家)、ファビエンヌ・ル・サジェ(統計研究)、徳永恂(大阪大学名誉教授)、小岸昭(京都大学名誉教授)
後援・・・ 京都府、京都市、京都市教育委員会、京都中央信用金庫、京都新聞社
協力・・・ Exposition Fusayoshi KAI:宝酒造パリ、一澤信三郎帆布、ポルシェセンター京都
Exposition collective F.KAI+E.GUIBERT:京子食品
助成・・・ 笹川日仏財団
FER ET BOIS ◆グループ展◆『鉄と木』

Du 8 avril au 1er mai(会期:4月8~5月1日)
Vernissage le 8 avril(ヴェルニサージュ:4月8日)

Artistes:
Patrick CHAPPERT-GAUJAL
Andrea LOMANZO

ISAO UTSUMIYA -宇津宮功
PEINTURES A L’HUILE 『宇津宮功—油彩展』

Du 4 au 27 mars(会期:3月4~27日)
Vernissage le 4 mars(ヴェルニサージュ:3月4日)


LA LIBERTE DU CORPS
◆グループ展◆『身体の自由』

Du 4 au 27 février(会期:2月4~27日)
Vernissage le 4 février(ヴェルニサージュ:2月4日)

Artistes:
Catherine URSIN
Gemma FERRON
Takahiro MIZUKAMI


OUVERTURE DE L’ANNEE 2010
◆グループ展◆『2009年開幕展』

Du 7 au 30 janvier (会期:1月7~30日)
Vernissage le 7 janvier(ヴェルニサージュ:1月7日)

Artistes:
Hiroshi ABE  Ayana HARADA  Celine BARRERE  DUSKA  Laurent DE GAULLE  Takeo HIRAYAMA  Ritsuo KANNO  Song – Hwa KO  Sun Young Min  Bernard PONS  Nicole RUFFIN  Yoko SHONO  Yataro TSUKAHARA  K. VASILI  Masafumi NOMOTO


EXPOSITIONS 2009

ARTISTES DE REALITES NOUVELLES
◆グループ展◆『サロン・レアリテ・ヌーベルの作家展』

Du 10 au 31 décembre (会期:12月10~31日)
Vernissage le 10 décembre(ヴェルニサージュ:12月10日)

Artistes:
Pierre LEGENDRE  Ode BERTRAND  Charles BEZIE  Helene DURDILLY  Hiroshi HARADA  Gonçalo IVO  Thomas LARDEUR  MAD  Remi MATSUKURA  Roland OREPUK  Henri PROSI  Torsten RIDELL  Antoni ROS BLASCO  S. SATORU  Andre STEMPFEL  Muneki SUZUKI  Richard VAN DER AA  Paula VANONNA  Jacques WEYER  Martin WOERN


L’INDE- ATTRACTION UNIVERSELLE
◆グループ展『インド-普遍の魅力』

Du 19 novembre au 5 décembre(会期:11月19日~12月5日)
Vernissage le 19 novembre(ヴェルニサージュ:11月19日)

Artistes:
Ahbay KUMAR
Debesh GOSWAMI
Satish PANCHAL
Rajendra DHAWAN
Akkitham NARAYANAN
Sujata BAJAJ
Velou VISWANADHAN
Lakshmi DUTT
Anju CHAUDHURI


PARIS-PLASMOLEN
◆グループ展◆『パリとプラスモレン』

Du 20 octobre au 14 novembre(会期:10月20日~14日)
Vernissage le 24 octobre(ヴェルニサージュ:10月24日)

Artistes:
Roger BENSASSON
Toon JANSEN


AUTOUR DU VIET NAM
◆グループ展◆『ベトナムの作家展』

Du 23 aout au 17 septembre(会期:8月23日〜9月17日)
Vernissage le 23 aout(ヴェルニサージュ:8月23日)

Artistes:
Tran Trong VU
Tuan Phong NGO
Kim Lan Ngyuen THI
Khoa PHAM
Nga NGYUEN
Gilles TRAN


Hiroshi HARADA-原田宏

PARIS - TOKYO 40 ans 『パリ・東京 40年』
Du 11 juin au 11 juillet (会期:6月11日~7月11日)


PRESQUE NU ◆グループ展◆『プレスク・ニュ』

Du 14 au 30 mai (会期:5月14~30日)
Vernissage le 14 mai(ヴェルニサージュ:5月14日)

Artistes:
Carmen ARRABAL
Kôichiro MATSUI
Ayana HARADA
Nicolas MOCAN
Kai-yuen CHAN
Chiho NAKATA
Julia DASIC
Malvina SILBERMAN
Louve DELFIEU
Wink VAN KEMPEN
Desislava DENEVA
Gérard LARTIGUE


BOIS ET EMAIL ◆グループ展◆『木とエマイユ』

Du 9 au 30 avril (会期:4月9日~30日)
Vernissage le 9 avril(ヴェルニサージュ:4月9日)

Artistes:
Franz ABSALON
Jacques TISSINIER


Antoni ROS BLASCO
PARCOURS 2004~2008 『軌跡2004~2008』

Du 10 au 28 mars(会期:3月10~28日)
Vernissage le 10 mars(ヴェルニサージュ:3月10日)


L’ESPRIT DE SUITE ◆グループ展◆『持続する志』

Du 13 au 29 mars (会期:3月13~29日)
Vernissage le 13 mars(ヴェルニサージュ:3月13日)


EXPOSITIONS 2008

RECONSTRUCTION DU CHAOS
◆グループ展◆『混沌からの再構築』

Du 12 au 28 février(会期:2月12~28日)
Vernissagele 12 février(ヴェルニサージュ:2月12日)

Artistes:
Maryse ELOY
Pierre LEGENDRE


EXPOSITION FRANCIS VIOLETTE OCC VEPP
『FRANCIS VIOLETTE展』

Du 13 au 29 mars (会期:3月13~29日)
Vernissage le 13 mars(ヴェルニサージュ:3月13日)


OUVERTURE DE L’ANNEE 2008
◆グループ展◆『2008年開幕展』

Du 10 janvier au 2 février(会期:1月10日~2月2日)
Vernissage le 17 janvier(ヴェルニサージュ:1月17日)

Artistes:
Grégorie QUARTAS VELASQUEZ
Keibon FUNAOKA
Hiroshi HARADA
Isabelle PRADE
Thérèse MULTZ
Kumiko NAKAJIMA
Francis VIOLETTE
Philippe VACHER

EXPOSITIONS 2007

EXPOSITION KEIBON FUNAOKA 『舟丘恵凡展』

Du 20 au 25 décembre(会期:12月20~25日)
Vernissage le 20 décembre(ヴェルニサージュ:12月20日)

Asuka HARUYAMA-春山明日香
LUMIERE ORIGINELLE 『原初の光』

Du 10 au 16 octobre (会期:10月10日16日)
Vernissage le 10 octobre(ヴェルニサージュ:10月10日)

Exposition passée 2015年~2017年の展覧会